Framgångsrika designers. Inredningsarkitekt - framgångssaga

28.10.2023

Designers är de auktoriteter inom modebranschen som dikterar modestandarder för oss och bestämmer trender. Varje designer är känd och igenkännbar för något annat, och var och en har en speciell, unik stil. Några av dessa människor blir riktiga legender i mode- och stilvärlden. Hur gjorde de det? Kanske är de bara ödets älsklingar – eller ligger bakom detta viljan att förverkliga sin dröm och en gigantisk mängd arbete? Vad gjorde dem kända?

Gabrielle Bonheur Chanel (Coco Chanel)

Förmodligen känner alla till den berömda Mademoiselle idag. De citerar henne, de strävar efter att imitera henne. Hon hade ett enormt inflytande på 1900-talets mode, grundade modehuset Chanel och gav världen henne märkesparfymer under siffrorna. Coco fick sitt smeknamn när hon sjöng i en kabaré. Hon var en extraordinär, modig och ljus personlighet, med stor viljestyrka och oklanderlig smak. Vi är skyldiga henne modernisering dammode, lånar många element från herrgarderoben, populariteten för den mångsidiga lilla svarta klänningen, pärlor, tweedkostymer, små hattar, smycken och garvning.

Coco Chanel gjorde lyxigt praktiskt. Mest av allt uppskattade hon komfort i kläder och förkroppsligade denna princip i sina samlingar. Hon sa att "lyx måste vara bekväm, annars är det inte lyx." Bland Mademoiselles kunder och bekanta fanns många världskändisar. I en intervju, på frågan om vilka händelser i hennes liv som väckte hennes intresse för konst, svarade hon: "När jag bodde på ett barnhem under nunnors överinseende lärde jag mig att sy. De lärde mig grundläggande färdigheter sömmerska, då var jag redan smart nog att förstå metoden. Jag fick verkligen min hand och fokuserade på design i tidig ålder, vilket är anledningen till att jag fick stora kunder så snabbt.”

Chanel öppnade sin första butik 1910 i Paris. De sålde hattar där. Senare dök även kläder upp i hennes butiker. Intressant nog var de allra första kläderna som Chanel skapade en klänning gjord av en tröja. Folk uppmärksammade hennes outfit och frågade var hon köpte den, och som svar erbjöd sig Coco att göra samma outfit för de intresserade. Hon sa senare att hennes tillstånd var "baserat på en gammal tröja som jag bar för att det var kallt i Deville."

Karl Lagerfeld

En av de mest inflytelserika modedesignerna, en man med fenomenal effektivitet, en mångfacetterad natur, ägare till många talanger. Denna världsberömda designer av tyskt ursprung har lett modehuset Chanel sedan 1983. Dessutom är Karl en egen designer och grundare Mode märke, en begåvad fotograf, regissör, ägare till ett förlag och ett personligt bibliotek med 300 tusen volymer. Lagerfeld säger om sig själv: "Jag är som en kameleont, flera människor bor inuti mig samtidigt. Att skapa för mig är som att andas. Jag tänker inte ens på det. När jag sitter i Chanels regissörsstol är jag Chanel. När jag åker till Rom och jag är i Fendi House är jag Fendi. Jag börjar jobba på en ny kollektion dagen innan den förra visas.”

Hans Kreativa färdigheter har redan dykt upp i tidig barndom. Han studerade vid Lycée Montaigne vid Syndicate of Haute Couture på samma kurs som Yves Saint Laurent. Lagerfeld samarbetade med ett stort antal kända modehus och skapade dofter, linjer av färdiga kläder, skor och accessoarer. Efter att han skapade sin första kollektion 1966 pälsprodukter för Fendi, som var en stor framgång, väckte han uppmärksamheten från de mest inflytelserika personerna i modevärlden.

På 70-talet började Lagerfeld samarbeta med kända regissörer och skapa kostymer för skådespelare på La Scala. Han blåste en ny fläkt av liv i modehuset Chanel och blev dess ledare och designer och sa: "Ja, hon sa att mode dör, men stil är odödlig. Men stil måste anpassa sig, anpassa sig till mode. Chanel hade sitt eget liv. Stor karriär. Det är över. Jag gjorde allt för att det skulle hålla, och fortsätter att göra det för att det ska hålla för alltid. Min huvudsakliga uppgift är att försöka överföra det hon gjorde till idag. Gissa vad hon skulle göra om hon bodde här nu, om Mademoiselle var i mitt ställe.”

Vänner kallar Karl kejsaren (Caesar, på tyska) för hans fantastiska förmåga att göra flera saker samtidigt. Han döljer sin ålder och oroar sig för att det inte finns tillräckligt med liv för att förverkliga alla hans kreativa idéer. Lagerfeld älskar böcker (han skapade till och med doften Paper Passion med doften av en nytryckt bok), ritar illustrationer till verk, kan inte föreställa sig livet utan fotografi, syr kostymer för bio och teater, producerar parfymer, driver sitt eget varumärke, skapar hotelldesigner , gör kortfilmer och anordnar utställningar, producerar damkollektioner.

Elsa Schiaparelli

En berömd italiensk designer från första hälften av 1900-talet, som anses vara en surrealist från modevärlden, Chanels främsta rival, skaparen av den färdiga stilen. Elsa föddes i en aristokratisk familj, från barndomen studerade hon måleri, konsthistoria och älskade teater. När hon arbetade som reseledare i Paris, observerade Elsa hur fruarna till rika amerikaner var minst intresserade av arkitektur och mest intresserade av modebutiker. Förmodligen var det då hon kom på idén att chocka allmänheten med ovanliga kläder.

Efter att ha träffat en emigrant från Armenien, vars stickade tröja Elsa gillade så mycket, övertalade hon henne att skapa ovanliga klädmodeller tillsammans. Frukten av deras arbete var en mycket ovanlig svart ullklänning med en rosett i form av en fjäril. Tack vare sitt arbete väckte de uppmärksamhet och fick en stor order från sportklädesbutiken Strauss. Det var denna order som gav Schiaparelli berömmelse och trikåfabriken till den armeniska diasporan. Elsa grundade sitt eget modehus. Som hon ursprungligen tänkt sig chockade hon allmänheten med sina samlingar. De förkroppsligade hennes vildaste fantasier och drömmar, uttryckte något irrationellt och obegripligt. Varje föremål var unikt. Många skapades i ett enda exemplar. Hjärtan, konstellationer, kramande armar, ormar, jätteflugor, ovanliga mönster, broderier och snygga accessoarer - allt detta väckte uppmärksamhet och chockade.

Det var Elsa som först uppfann konceptet "boutique" (en butik som säljer små serier av märkeskläder). Många kändisar samarbetade med Elsa och köpte gärna hennes kläder. Schiaparelli hade ett kontrakt med Hollywood. Hon var vän med Salvador Dali (det var han som gav henne idén till en klänning med hummer och persilja och en telefonväska). Under påverkan av Dali skapade Elsa sina mest ovanliga saker: en hatt i form av en sko eller ett bläckhus, handskar med fickor för tändstickor. Kostymsmycken var förkroppsligandet av de konstigaste idéerna; klubbor, mediciner, suddgummin, fjädrar, pennor och torkade skalbaggar användes som material.

Elsa kallade ofta sitt modehus för galet. Populariteten för Schiaparellis samlingar var enorm, alla ville ha dessa konstiga kläder, till och med hertiginnan av Windsor själv. Men när hon fick åka till USA på grund av andra världskrigets utbrott var det som om de hade glömt bort henne. När hon återvände till Paris 1944 var hennes stil inte längre efterfrågad. Chanel dominerade modescenen och Elsa bestämde sig för att lämna modevärlden.

Båda begåvade kvinnorna var modeinnovatörer, men väldigt olika. Chanel skapade inom ramen för klassikerna, utan att fokusera på ljusstyrka och catchiness. Elsa var extravagant, älskade att chocka och provocera. Bådas bidrag till mode är utan tvekan ovärderligt, även om varumärket Schiaparelli inte har funnits på länge. Elsas idéer och upptäckter kan ses gestalta i modernt mode, som om hon var före sin tid. Ovanliga färgkombinationer, fuchsia (chockerande rosa - det här är också Schiaparellis idé!), flaskor i form av en kvinnlig kropp, pälsskor, ankelboots, ovanliga väskor - allt detta är idéerna från den begåvade Elsa, som hade ett enormt inflytande om mode- och stilvärlden.

Christian Dior

En av de mest kända franska modeskaparna, som vi är skyldiga ultra-feminina klänningar med ny look. Han hade konstnärlig talang, och i sin ungdom drömde han om att bli en stor konstnär. Efter att hans privata konsthall gick i konkurs upplevde han svåra tider, fattigdom och arbetslöshet, men ödet verkade bereda en annan väg för honom. Han började designa teaterkostymer och rita skisser för franska modetidningar. Och dessa skisser blev otroligt populära, han började samarbeta med modeavdelningen på Figaro-tidningen, och han märktes. Jag bestämde mig för att specialisera mig på klädmodeller, även om skisser av hattmodeller var mycket mer populära. Dior uppmärksammades av den berömda modedesignern Piguet, men på grund av kriget startade inte Diors karriär då.

När han kom tillbaka från armén började Christian arbeta på det berömda modehuset Lucien Lelong, där han lärde sig mycket. 1946, tack vare finansiering från en textilmagnat, öppnade Diors modehus i Paris. Vid 42 års ålder blev han berömd; hans första kollektion, som han själv kallade "Crown Line", ansågs revolutionerande och blev en rungande framgång. Föreställ dig bara efterkrigstiden, när kvinnor så längtade efter skönhet och sofistikering, efter eftertryckligt feminina och lyxiga outfits. Dior, otroligt känslig och begåvad, kände stämningen i samhället, dess önskningar och drömmar. Parisiska kvinnor var så trötta på maskulina jackor och korta kjolar att de hälsade på Diors kollektion med förtjusning. Feminina silhuetter, lyxiga och ljusa tyger, cinched midjor, ankellånga kjolar (antingen hel eller rak), små runda axlar - allt i denna kollektion var själva förkroppsligandet av traditionell femininitet och charm.

Men allt var inte så rosa. Feminister kritiserade samlingen och sa att återgången till krinoliner och korsetter tydde på förtryck jobbande kvinnor. Många trodde att efter kriget var lyx och ljusstyrka olämpligt och hädiskt. Men trots kritiken fängslade det nya utseendet allmänheten. Diors popularitet var fantastisk, hans namn blev förknippat med lyx och god smak. Var och en av hans samlingar väntade med häpen andetag, och var och en var en succé.

Det var först 1954 som det fanns ett lite farligt ögonblick för Diors karriär, när Chanel återvände till modearenan, som inte kunde stå ut med "50-talets fasor", när hon talade om Diors modeller. Men Dior kom väldigt intelligent ur situationen genom att släppa en ny kollektion, lätt och avslappnad. Annan än tidigare, men ändå lika feminin. Silhuetter var mer naturliga, linjer mjuknade. Diors personliga assistent sa en gång efter den store couturiers död att "om Dior hade levt skulle mode inte vara i ett så bedrövligt tillstånd som det är nu."

Yves Saint Laurent

En av 1900-talets ledande modedesigners, som Christian Dior valde som sin efterträdare. Sedan barndomen tecknade och älskade han teatern, gjorde hemmadockor, limmade kostymer och målade kulisser. Laurent arbetade som assistent till Dior och fascinerades av hans geni, och Dior kände i sin tur omedelbart igen den unge mannen som en framtida mästare.

Vid 21 års ålder blir Laurent chef för ett av de mest kända modehusen efter Diors plötsliga död och bokstavligen räddar varumärket från ekonomisk ruin. Han presenterade sin första damkollektion, en mjukare och lättare version av den nya looken med en a-linje siluett. Laurent var den första som introducerade franskt mode till Sovjetunionen (1959), och han flög hit med 12 modeller.

Det verkade som om ljusa utsikter låg framför sig som en efterträdare som levde upp till den bortgångne Diors förväntningar. Men det var inte utan avund och bekymmer. Ägaren till modehuset Dior (Marcel Boussac), enligt rykten, insisterade på att Saint Laurent skulle skickas till militärtjänst till Afrika och därigenom vilja bli av med designern. Där får han veta att han har fått sparken från modehuset Dior.

1961 dök märket Yves Saint Laurent upp, dess första kollektion var en stor framgång. Orientaliska motiv, klara färger, inspiration från afrikanska länder. Saint Laurent producerar också parfymer, arbetar som teaterdesigner och skapar scenografier och kostymer.

Idéerna till Laurents efterföljande kollektioner fick också stort erkännande och blev en slags modeklassiker: smoking för kvinnor (senare blev de en signatur för varumärket), byxkostymer, höga stövlar, tröjor med hög hals, svarta skinnjackor, safari-stil klänningar, etniska motiv. Laurent blir den första designern att lansera en fullfjädrad ready-to-wear-linje, samt den första designern som har en utställning tillägnad honom på Metropolitan Museum of Art under sin livstid.

Giorgio Armani

Den italienska modedesignern kallas en modepionjär på 1900-talet, en mästare i skrädderi, en anhängare av kvalitet och en stor estet. Sedan barndomen älskade Giorgio konst och teater, han ritade och sydde kläder för dockor. Han hade en dröm om att bli skådespelare, men hans föräldrar insisterade på att bli läkare. Efter två års studier hoppade Giorgio av universitetet. Han befann sig i modevärlden. Armani skapade sitt eget varumärke 1974, och innan dess arbetade han som fönsterdesigner i ett stort varuhus och skapade även herrkläder åt Nino Cerruti.

Armanis yrkeskunskaper i att arbeta med tyg ledde till att tack vare honom, tack vare honom, kunde man skräddarsy herrkläder helt förändrat. Lätthet och smidighet dök upp, vilket tillsammans med enkelhet och koncisthet förser hans produkter med speciell chic och bekvämlighet. Efter den fantastiska framgången med herrkollektionen började Armani presentera damkollektioner, med särskild uppmärksamhet på arbetande kvinnor. I hans samlingar samsas traditionella vyer harmoniskt med de mest moderna trenderna. Han moderniserade klassikerna med stor elegans och smak. Lyxiga material, experiment med kombinationer av tyger, funktionalitet och mångsidighet, avslappnad elegans är kännetecknen för Armani-kollektionerna.

Ralph Lauren

Berömd amerikansk designer, som kallas kungen färdig klänning, "som upptäckte Amerika till Amerika." Hans företag (Polo Ralph Lauren Corporation) producerar accessoarer, kläder, underkläder, textilier, möbler, tapeter, parfymer och fat. Lauren har utsetts till Årets Designer tre gånger och har även blivit utsedd till Fashion Legend av US Design Council. För många människor är Ralph Lauren ett exempel på hur en person från en låg samhällsklass kan nå stora höjder med en dröm och talang. Ralph kom från Vitryssland (hans föräldrar träffades och gifte sig i USA), från en fattig familj med många barn, och satte sig själv som mål att lyckas från en ung ålder. Han blev förvånad över sin klasskamrats garderob, som bara tillhörde honom, och i vilken kläderna var så snyggt upplagda. I Ralphs lägenhet fanns en garderob för alla. Sedan dess bestämde sig den framtida designern för att arbeta och spara pengar till sin dröm.

Det är intressant att Lauren inte har ett diplom i modedesign, men samtidigt är han en av världens bästa designers. Han syr inte kläder själv utan är en inspiration, en designer och tänker igenom varje kollektion in i minsta detalj. Designern själv säger så här: "Jag gick aldrig på modeskola - jag var en ung kille som hade sin egen stil. Jag hade aldrig föreställt mig att polo skulle bli vad den är. Jag följde bara mina instinkter."

Först arbetade Ralph som säljare (sålde kläder, handskar och slipsar), blev sedan slipsdesigner och skapade en i grunden ny modell (han inspirerades av romanen "The Great Gatsby"): en bred sidenslips (vid en tidpunkt). när tunna slipsar var på modet). Tack vare en investerare öppnade Lauren och hennes bror en butik och sitt eget varumärke, Polo Fashion. Folk ville ha högkvalitativa och snygga saker och accessoarer, varumärket blev mer och mer populärt. Lauren producerade kollektioner av färdiga kläder (först för män och sedan för kvinnor) och accessoarer. Han var den enda som började producera sportskjortor i 24 nyanser.

Laurens kollektioner kombinerar chic, sofistikering och samtidigt lätthet, enkelhet och ljusstyrka. "Mina kläder är en vision om vad jag tror på. Någon sa till mig en gång att jag var författare. Det är sant – jag skriver genom mina kläder. Det förkroppsligar en historia, inte bara kläder, sa Lauren. Ralphs fru inspirerade honom att skapa kollektioner Damkläder: ”Min fru har god smak och sin egen stil. När hon bar skjortor, tröjor och jackor köpta från herrbutiker frågade folk alltid var hon hade dem. Jag förknippade hennes utseende med en ung Katharine Hepburn - en rebelltjej på en häst med hår som flyger i vinden. Jag designade skjortor åt henne." Lauren introducerade västerländska kläder i modet. Och pikétröjor verkar aldrig gå ur mode.

Pojken Ralphs drömmar har gått i uppfyllelse: han är en av de rikaste människorna i världen, han har en stark familj, tre barn, han äger en ranch och är en av världens största samlare av veteranbilar.

Roberto Cavalli

Den berömda italienska designern kallar sig själv en "modekonstnär" och är känd för sina exotiska och spektakulära samlingar av kläder och accessoarer. Hans modehus följer filosofin om femininitet, chic och ljust temperament. Designern själv sa i en intervju att hans mode "blev framgångsrikt och relevant eftersom andra designers fortsatte att producera monotona saker... Länge försökte designers klä kvinnor lika med män. Jag ändrade denna trend. Jag försöker med mina kläder att framhäva den feminina, sexiga sidan som finns hos varje representant för det vackra könet.”

Hans farfar, den berömda konstnären Giuseppe Rossi, och hans mor, som var klädmästare och designer, hade ett stort inflytande på utvecklingen av Cavallis talang. Som barn, när han hjälpte sin mamma med att sy kläder, insåg Cavalli att han ville studera design och mode. Han var en av de bästa studenterna vid konstakademin i Florens och studerade textiltrycksteknik. Redan då skapade han en serie blommönster, som väckte uppmärksamhet från stora fabriker i Italien. Cavalli har alltid älskat att experimentera, medan han fortfarande studerade på akademin började han komma på olika sätt att färga läder och tyg, då var han bara 20 år gammal.

Och så ledde dessa experiment till det faktum att Cavalli själv i början av 70-talet uppfann och patenterade ett lädertrycksystem som gjorde det möjligt att färga det i sex olika färger. Denna revolutionerande uppfinning blev omedelbart populär hos olika modehus. Stretchjeans i jeans är en annan hit från Cavalli, som ger huset välstånd och framgång.

Roberto Cavallis ljusa och extravaganta kläder är mycket efterfrågade bland fashionistas över hela världen, bärs av de mest glamorösa kändisarna på planeten. Cavalli anser att en kvinna ska ha karaktär och en stark personlighet. I en av sina intervjuer sa han: "Skönhet kommer inifrån och är en återspegling av varje persons individualitet... Skönhet är ett visitkort som hjälper vid det första mötet, men är helt värdelöst vid det andra."

Valentino Garavani

Grundaren av modehuset Valentino, en berömd italiensk modedesigner, älskade att rita sedan barndomen, i sin ungdom älskade han konst och var intresserad av mode. Han var lärling, studerade vid School of Fine Arts i Paris och på School of Chamber of Haute Couture. Han arbetade i flera modehus och öppnade sedan sin egen ateljé. Hans verk kännetecknades av sofistikering, utmärkt skärning, dyra tyger, handgjord dekoration och sofistikering. 1960 dök varumärket Valentino upp.

Tack vare ett möte med arkitekten Giametti, den framtida generaldirektören för modehuset, får Valentino möjligheten att endast engagera sig i kreativitet, utan att fördjupa sig i affärernas krångligheter. Han sa själv: "Jag vet bara hur man ritar klänningar, tar emot gäster och dekorerar ett hus, men jag förstår ingenting om affärer." En av 60-talets samlingar innehöll röda outfits, som senare blev kännetecknet för modehuset Valentino. Modedesignern säger: ”Rött är den bästa färgen. Det passar alla kvinnor, du måste bara komma ihåg att det finns över 30 olika nyanser av den här färgen.”

Under många år har designern klätt kändisar, många av dem föredrog att köpa utsökta bröllopsklänningar av honom. Bland hans kunder fanns legendariska personligheter som Jacqueline Kennedy, Audrey Hepburn, Sophia Loren, Elizabeth Taylor. På Oscarsgalan glänste många skådespelerskor i dräkter från Valentino. 2007 tillkännagav den berömda modedesignern sin pensionering från modevärlden, och 2008 hölls en avskedsshow på Paris Fashion Week, där alla modeller gick på catwalken i röda klänningar och publiken gav en stående ovation.

Webbdesigners och utvecklare drömmer om den perfekta webbplatsen som användarna helt enkelt kommer att älska. Det viktigaste de kan göra för detta är att förse webbplatsen med visuell harmoni av alla element. Den här artikeln ger några tips om hur du blir en framgångsrik webbdesigner. Är du redo att få alla att prata om din webbplats? Då börjar vi!

Intuitivitet

Medan alla designers strävar efter unika (och detta är ganska normalt), förnekar vissa av dem vikten av intuitivitet och tydlighet.

I en användarcentrerad värld måste alla appar och webbplatser vara intuitiva, vilket gör en produkt som är lätt att förstå och använda. Utan detta kommer inte en enda sida att bli ihågkommen.

Användare vill och behöver lägga mer tid på att utforska din webbplats/app, men det borde inte ta timmar för dem. Hur man förenklar proceduren och inte kräver särskilda ansträngningar för att utföra den eller den åtgärden är upp till dig att bestämma.

Innovation är en annan viktig färdighet som en bra designer måste ha. Arbetet ska vara intressant och kreativt, och det ska dyka upp i rätt ögonblick. Den bästa lösningen för konstruktören är dock fortfarande att undvika allvarliga avvikelser från redan accepterade standarder.

Använd till exempel en allmänt accepterad registreringsprocedur eller placera nyckelelement där användarna förväntar sig att se dem.

Bekant navigering

Tänk på detta verkliga exempel: du besöker en vän för första gången och du vet ännu inte var vilket rum är. Det är osannolikt att du någonsin kommer att gå in i ett hem där badrummet ligger i källaren, och om du gör det kommer du förmodligen inte att gilla det särskilt mycket.

Det är absolut samma sak med webbdesign: användare måste lära sig att navigera på webbplatsen, medan de går in på den har de vissa förväntningar. Vad du inte vill göra är att förvirra dem så mycket att de inte vill komma tillbaka.

Var en bra guide! Användare är otåliga och de väntar inte om du inte berättar för dem var de ska klicka och vad de ska göra.

Precis som hemma hos dig är du värd för gäster på sajten, och du måste berätta för dem i detalj hur de ska uppnå sitt mål. Bra design bör ha intuitiv navigering och placera element där de hör hemma.

Som i exemplet bör inloggnings-/registreringsalternativet finnas i det övre högra hörnet. Kom ihåg att varje knapp/stapel kan fungera som en enkel navigering: du måste arbeta med form, linjer och färger; och använd dem för att berätta för människor vad varje element gör.

Flexibilitet

Flexibilitet är den mest kontroversiella aspekten av design; du måste skapa en produkt som fungerar lika bra på vilken webbläsare/enhet som helst. Många designers underskattar vikten av flexibilitet och i slutändan presenterar design med teckensnitt som är oläsliga, eller till och med sådana som inte fungerar.

Att designa för en specifik webbläsare/enhet är inte det bästa tillvägagångssättet: kom ihåg att alla användare har olika preferenser, så designen måste vara lämplig för alla möjliga enheter som användare kan ha.

Enkelhet

Det är svårt att motstå frestelsen att lägga till en massa olika element och alternativ. För många verktyg, knappar, navigering och sektioner kommer att förvirra användare och leda till onödiga val. Och om man ser det som en helhet kan det leda till att viktiga informationssidor helt ignoreras.

Ta Google till exempel: en av anledningarna till dess framgång är att det fungerar så enkelt som möjligt.

Men vi säger inte till dig att förenkla allt till gränsen till tristess och en fullständig brist på intressanta lösningar. Vi säger att din back-end fortfarande kommer att förbli komplex, detta är bara nödvändigt för att göra det så enkelt som möjligt för användaren att interagera med webbplatsen.

Bekvämlighet

Bra designers vet att deras sajter behöver en omdesign här och nu, speciellt för att det ska se snyggt ut och kännas bekvämt att navigera till. Ändå måste en omdesign vara förnyad samtidigt som funktionerna bibehålls. Det finns många coola sajter som var mycket bättre innan omdesignen.

Minska din väntetid

Som användare vet du förmodligen hur laddningstider påverkar besökarnas upplevelse av en webbplats. Ingen gillar att spendera timmar på att vänta på att en sida ska laddas när det finns tusentals andra sajter där du kan få samma information eller utföra samma åtgärd.

Idag är konkurrensen mycket hög, alla sajter är trevliga och intressanta och tid kan vara det enda kriteriet som får en sajt att sticka ut från alla andra.

För att minska laddningstiderna, minska först antalet grafiska element (animationer, videor, grafik och till och med högupplösta bilder). Innehållsoptimering kommer aldrig att göra en webbplats sämre.

Var uppmärksam på feedback

Att lämna och få feedback är inte bara en trend, det är en analys av vad folk verkligen tycker om din produkt. Titta på de mest framgångsrika formgivarna och utvecklarna: de förlitar sig nästan alltid på vad deras användare säger till dem.

Dessutom vet de att användaren alltid har rätt, och det finns inget annat argument än det. Feedback visar vad som behöver förändras, men skapar också en stark koppling till användarna där de känner sig värderade och omhändertagna. Alla älskar det!

Genom att ge ett feedbackalternativ visar du att du verkligen vill interagera med användare. Kom ihåg att feedback inte är ditt enda interaktionsverktyg: du kan ge visuella ledtrådar för att vägleda användare (till exempel peka på viktiga element); stödja dialoger; felmeddelanden osv.

Det finns många verktyg du kan använda för att skapa visuella ledtrådar: form, storlek, färg och placering visar användarna att du alltid bryr dig om vad de gör.

Läsbarhet

Du kan ha den mest perfekta webbplatsen du kan tänka dig, men om du inte gör den lätt att läsa kommer den inte att vara meningsfull. Användare har som bekant inga problem med att navigera till olika sajter, speciellt om de har svårt att läsa innehållet. Det är därför du bör tänka på läsbarhet som det viktigaste elementet din sida.

Läsbarhet handlar inte bara om bokstavsstorlek: du bör använda ett teckensnitt som är tilltalande för ögat och lägga upp information på ett logiskt och begripligt sätt. Låt oss inte glömma att innehållet måste vara intressant så att användarna vill besöka sidan igen.

Slutsats

Sluta inte arbeta med dig själv och lära dig nya saker om ditt arbete. Du kanske har skapat en fantastisk webbplats, men den kommer inte att vara värd någonting om du inte håller dina användare nöjda.

För att sammanfatta det, förringa inte det visuella i din design. Lämna gott om plats, använd färger som är tilltalande för ögat för att inte skrämma bort användare. Förvandla inte din webbplats till något stressigt, med en massa detaljer och alternativ som användarna inte alls behöver. Och kom ihåg att ju mer du arbetar med ditt innehåll, desto roligare blir det för användarna att utforska.

Tyvärr har vissa människor som ger sig in på inredningens väg en missuppfattning om kärnan i professionellt arbete.

Visst kan vissa aspekter av att vara designer vara spännande eftersom de involverar att experimentera med tyger, färger och ytbehandlingar. Det finns dock en helt annan sida av arbetet, som många kommer att finna som rutin. Och tro mig, det kan störa att bygga en karriär.

Maestro of Communication

Som ett exempel, ta en artikel om den berömda arkitekten James Blakely, där han noterar att han tillbringar större delen av sin tid med att kommunicera med andra designers, säljare, husägare, tillverkare, etc. Och vad tycker du? Han är en av de mest framgångsrika personerna på detta område!

På vissa sätt är det som konstant självreklam. Inledningsvis tror du att du kommer att vara exklusivt kreativ, skapa bilder, välja färger, planera arrangemanget av möbler och dekorativa föremål.

Det visar sig faktiskt att jag borde ha gått ett par kurser i kommunikationsfärdigheter istället för att läsa ett oändligt antal designkurser. När allt kommer omkring, vad är poängen med att komma med imponerande projekt om du inte vet hur man säljer dem?

Dessutom är det nödvändigt att korrekt förmedla dina planer till tillverkare, entreprenörer och andra specialister inom relaterade branscher.

Design är inte bara en spännande aktivitet och experiment med material

Kreativt förverkligande genom kommunikationsförmåga

Bra psykolog

Det kan verka dumt, men att kunna tolka mänskliga gester korrekt kommer att hjälpa dig att avancera din karriär som inredningsarkitekt. I huvudsak måste du lära dig att förstå på en intuitiv nivå vad kunder verkligen behöver.

Kunden kan komma till det första mötet antingen med många idéer eller förväntar sig professionella rekommendationer från dig. Nu kommer ditt rykte att bero på vilken skarpsinnig lyssnare du var, och till viss del på närvaron av dina telepatiska förmågor.

Det ideala resultatet av samarbete

Outtröttlig upptäcktsresande

Innan du avslutar din Bachelor of Fine Arts-examen uppmuntrar vi dig att genomföra en praktikplats hos en lokal designer. Tro mig, det finns inget bättre sätt att ta reda på om du kan behärska det här hantverket och njuta av det. Om resultatet är positivt kan du börja samla den nödvändiga professionella kunskapen.

När du har avslutat din utbildning, sluta inte där. Det enda sättet att förbli relevant inom ditt valda område och ha ett försprång gentemot dina konkurrenter är att kontinuerligt förbättra dina kunskaper inom området arkitektur, byggnormer, hållbar design, etc.

Självutbildning är styrka

Var modern och konkurrenskraftig

Här är några viktiga punkter för att gå vidare till framgång:

delta i så många specialiserade evenemang som möjligt, inklusive internationella utställningar och shower;
etablera en relation med en bra mentor som låter dig vara hans assistent och introducera dig till hans professionella cirkel;
upprätthålla relationer med tidigare kunder - de kommer att rekommendera dig till sina vänner först av allt;
säkerställ din närvaro på Internet med maximala resurser (bloggar, sociala nätverk, professionella forum). Skapa din egen webbplats för att visa upp bilder och videor av genomförda projekt, kommunicera med potentiella kunder, etc.
utveckla ditt varumärke.

Nuförtiden blir kreativa yrken mer och mer populära. En av dem är en designer. Även om denna specialitet vid första anblicken verkar lätt att förstå, är det i verkligheten inte så enkelt. När allt kommer omkring räcker det inte att bara bli designer, det är viktigt att vara framgångsrik, konkurrenskraftig och efterfrågad inom ditt område. Men hur blir man en framgångsrik designer - för att nå höjder i en så populär och stor industri?

Vad ska en designer kunna?

Naturligtvis kan bara en specialist som är kompetent inom sitt område, som har vissa egenskaper, färdigheter och kunskaper, bli framgångsrik. För att lyckas i designyrket måste du:

ha ett originellt sätt att tänka, förmågan att undvika standardisering och enhetlighet;
utbildning. Naturligtvis kan du klara dig utan det, men för att behärska grunderna i att skissa och rita modeller räcker inte talang ensam. Därför är det nödvändigt att skaffa specialiserad utbildning. Nuförtiden är specialiteten "Designer" tillgänglig inte bara på högre utbildningsinstitutioner utan också på högskolor. Dessutom finns även korttidskurser;
närvaron av utvecklad estetisk och konstnärlig smak, en subtil känsla för stil, kunskap om de senaste modetrenderna;
förmåga att lyssna och förstå kundens önskemål och preferenser, icke-konflikt;
konstant koncentration på arbetsprocessen;
uthållighet och kärlek till samma typ av monotont arbete;
närvaro av kreativa idéer och förståelse för hur de kan föras till liv;
förmåga att uppmärksamma detaljer;
kunskap om grundläggande driftteknik;
viljan att ständigt utvecklas.

I själva verket är detta bara en liten del av de färdigheter och kunskaper som en designer bör ha, men utan dem är det osannolikt att framgång kommer att uppnås.

Utöver de färdigheter som krävs måste en designer också ständigt sträva efter självförbättring. För att göra detta måste du utöka dina horisonter, läsa klassisk och modern litteratur, följa trender inom musik och film, för från dessa källor kan du hämta ett stort antal idéer och lära dig av dina föregångares erfarenhet.

En framgångsrik designer är en begåvad och målmedveten person. Och om den första är given av naturen, måste du regelbundet arbeta med dig själv för att få egenskaper som kan leda till erkännande. Du kan också gå speciella psykologutbildningar för att få förtroende för dig själv och dina förmågor.

Naturligtvis beror framgången för en designer också på förmågan att kommunicera med kunder, så du måste ha ett gott uppförande, vara punktlig, prata artigt med kunder och acceptera deras preferenser. Varje manifestation av arrogans är oacceptabel.

Inspiration för en kreativ person spelar en mycket viktig roll, eftersom allt hans arbete bygger på det. Därför, för att alltid ha massor av idéer och styrka att genomföra dem, måste du få ordentlig vila, undvika överansträngning och ta hand om din egen andliga och fysiska hälsa.

Erbjud dina tjänster på Internet. För detta finns särskilda frilansutbyten, anslagstavlor, forum, etc.

Nuförtiden har många moderna prylar och program skapats som kan göra en designers arbete lättare och göra det bättre. Använd ny teknik för att utveckla ditt företag.

Att bli en framgångsrik designer är inte en lätt uppgift, eftersom konkurrensen i den här branschen är ganska hög. Men om du har talang, viljan att arbeta och utvecklas kan du nå ditt mål.

Video. Hur man blir en framgångsrik designer - en Adobe-evangelists hemligheter

Video. Jonathan Ive: Designer med stort D

Vilka andra färdigheter, förmågor och kunskaper tycker du att en framgångsrik designer bör ha? Dela din åsikt, och kanske erfarenhet, i kommentarerna till den här artikeln.

Lycka till och vi ses i nästa artikel.

Inhemsk design intog under många år en nästan marginell ställning bland socialt mer populära områden och discipliner. Nyligen har situationen förändrats märkbart, och nu blir våra designers kända och efterfrågade inte bara i sitt hemland, utan gör sig aktivt kända på den internationella marknaden. Vi pratade med framgångsrika studenter från landets främsta designskolor, samt British Higher School of Design, om var och hur ryska designers studerar idag.

Tatiana Repina

produktdesigner, grundare av aotta designstudio

Född 1988. 2014 tog hon examen från Moscow State Academy of Arts and Sciences. S. A. Stroganova, Institutionen för möbeldesign. Diplomprojektet för köksmodulen "LOLO" togs i serieproduktion av det inhemska företaget "Luch".

år 2012. Färsk samlingstävling för Outsidesign, kortlista
år 2013. Ryska möbeltävlingen 2013 för Pointex, 2:a plats
år 2013. Nayada ArchChallenge, kortlista
2016 iSaloni WorldWide Moskva, SaloneSatellite 2016, 1:a plats
2017 iSaloni Mobile Italy, SaloneSatellite 2017, 3:e plats

"Jag gick in på Stroganov Moscow State Academy of Arts and Sciences när det fanns ett 6-årigt utbildningssystem och avdelningen kallades mer akademiskt: "Artistic Design of Furniture." Jag tror att en så lång studie var rätt för mig, eftersom jag under den här tiden verkligen förverkligade mig själv i detta yrke och var mogen för självständig design. Medan jag studerade började påtagliga innovationer ske, nya lärare kom, namnet ändrades till "Möbeldesign".

Jag studerade med Kirill och Elena Cheburashkin - ung, energisk, öppen för allt nytt och gör mycket för utvecklingen av avdelningen. Vi fick mycket intressanta uppgifter och motiverade att hitta och skapa något nytt. Tillsammans med dem var min lärare en mycket erfaren arkitekt Evgeniy Ivanovich Matvienko, och han gav mycket viktiga grunder, eftersom att skapa möbler på många sätt liknar arkitektonisk design. Hans konsultationer var mycket värdefulla och fick mig alltid att analysera och fundera. Utbildning i Stroganovka har alltid varit grundläggande, och det ligger mig nära, eftersom bra designers alltid bär på kulturella koder. Du måste lära dig att tillämpa dina kunskaper i praktiken. Jag gjorde mycket på egen hand - jag letade efter utländska utbildningsprogram, lärde mig hur man gör designforskning.

Jag besökte nyligen Stroganovka och kan notera att dagens studenter har ännu fler möjligheter och vägen från teori till praktik har blivit ännu kortare. Tack vare modern verkstadsutrustning, resor och kommunikation med praktiserande specialister känner de till alla krångligheterna i designproduktion - från skiss till arbete på maskiner. Avdelningen samarbetar aktivt med staten inom ramen för projekt för att uppdatera utseendet på skolor och förskolor, vilket ger eleverna möjlighet att uttrycka sig i verkligt arbete.”

Fristående paneler skapas av ett nytt akustiskt material av granbarr

Kompositmaterial från barr

Möbler av kompositmaterial

Kapsel mikrokök Lolo

VODKA lampa

Ekaterina Vagurina

ämnesdesigner

Född 1988. 2012 tog hon examen från St. Petersburg State Academy of Art and Industry uppkallad efter. A. L. Stieglitz (tidigare Mukhinsky-skolan), Institutionen för möbeldesign.

år 2013. Nayada Archchallenge, 1:a plats i kategorin "Working Place for Open Space".
2015 Designdebut, 1:a plats i kategorin Produktdesign
2015 Vinnare av Sobaka.ru-priset i kategorin produktdesign
2016 Gift Award, 3:e plats
2017 Avangard+ Award, 1:a plats

”Från första året på Stieglitz-akademin fick vi vara med i produktionen och vi kunde inte bara rita ritningar på papper, utan också delta i genomförandet av våra projekt i snickeriverkstäderna på vår avdelning. Följaktligen kunde vi observera hela tekniken i processen, vilket var en viktig praktisk erfarenhet. Men idag har tekniken länge gått framåt, och förutom trä finns det nu ett stort antal andra material som möbler kan tillverkas av, och många nya tekniker för att arbeta med dem. Och enbart snickeriverkstäder räcker inte längre. Tyvärr finns det ingen grund för att implementera några innovativa lösningar, och det är mycket svårt för en student att implementera någon originalidé även på nivån för en enskild prototyp på egen hand. Tyvärr behärskar de flesta lärare sin specialitet mer i teorin. De lyckas inte alltid hänga med i tiden och idag utvecklas allt väldigt snabbt. Avdelningen behöver enligt min mening aktiva yrkesverksamma som har en bred syn och kan ge rätt riktning. I denna mening såg vi med avundsjuka på våra kollegor från Stroganovka, där situationen idag förändras avsevärt tack vare unga lärares entusiasm. Jag hade tur, när vi utsåg handledare för diplomprojekt, kom en intressant ung lärare, Sergei Vasilyevich Gorlov, till oss. Jag visade en viss uthållighet att få göra mitt diplom under hans ledning, vilket jag aldrig har ångrat. Med stor möda lyckades vi försvara idéer som ingen på institutionen trodde på förutom vi två. Som ett resultat fick projektet högsta betyg.

Vi har en trevlig möbelavdelning i den tyska staden Halle, som vi har utbytt studenter och lärare med. Det var en mycket viktig erfarenhet när jag insåg den grundläggande skillnaden i inställningen till träning här och i Europa. I vårt land dominerar som regel läraren, så i den slutliga versionen av studentprojektet finns det lite kvar av elevens idé. Det framgår ofta av avhandlingarna vem som handlett dem. När en lärare från Tyskland kom till oss, från det ögonblick han visade dig den första skissen, gjorde han allt för att utveckla din ursprungliga idé, inte för att ändra den, utan för att föreslå möjligheter för dina individuella lösningar.

Jag anser att deltagande i studenttävlingar och utställningar är en av de viktiga faktorerna under mina studier, det är en utmärkt erfarenhet och motivation för utveckling. Information om dem bör aktivt förmedlas till eleverna, det skulle vara ännu bättre om de integrerades i lärandeprocessen, vilket praktiskt taget aldrig hände i vår pedagogiska praktik.”

Transformerbar hängare 8H

Och Dobrostol

Dobrobox bestickset

Planteringsmaskin Fitocapsule

Set med Kratervaser

Salt och peppar shaker Port

Alisa Minkina

ämnesdesigner

Född 1993. Utexaminerad från British Higher School of Design med en examen i industriell design.

år 2013. Topiary World, 3:e plats
år 2013. Dyson Awards, nationell vinnare
år 2013. Ukrainska bästa, bästa lista
år 2014. SEAT-tävling. 1:a plats, praktik på SEAT Spanien
2015 Salone Satellite 2:a plats
2015 Salone Satellite, 3:e plats
2016 ArсhiWood, 1:a plats
2016 Ukrainsk bästa, 1:a plats
2017 A Design Awards, 1:a plats

”Det kanske viktigaste med Britka är att studenter nästan alltid arbetar med riktiga projekt, och det ger dem möjlighet att lära sig hur man interagerar direkt med en framtida arbetsgivare och marknaden. Lärarna här är praktiserande designers som känner till den aktuella situationen, vet vad kunden behöver och först och främst lär sig att svara på hans verkliga behov. Handledare vägleder och föreslår, men på många sätt letar du självständigt efter de resurser du behöver, särskilt när det kommer till programvara eller att arbeta med material. Om du brinner för projektet, då kan du göra vad som helst, allt beror på dig. Oavsett vad läraren säger hittar du själv all detaljerad information och ställer in dig på den sista uppgiften som ska lösas. Samtidigt är grunden för det praktiska genomförandet av dina idéer, som Britanka tillhandahåller, mycket viktig – det finns välutrustade verkstäder där du själv kan arbeta med maskiner och göra eventuella experiment. Denna direkta koppling mellan teori och praktik är, enligt min mening, den främsta fördelen och särdraget med utbildning vid BHSDC. Men på många inhemska universitet gillar studenterna att skapa växthusförhållanden som är långt ifrån verkligheten. Ja, de designar, men när de går ut i det vilda vet de inte vad och hur exakt de ska göra, vilken typ av arbete de ska leta efter, och har också liten aning om verkligheten i hela designprocessen. ”

Sagano bambu möbler

Tedoserburk

Marina Novikova

inredare, grundare av byrån "Smart Interior Design"

Hon tog examen från British Higher School of Designs Interior Design-program 2013, under sina studier 2012 genomförde hon en sommarpraktik som en del av Interior Design-kursen på Central Saint Martins i London.

”Jag fick möjlighet att studera i Ryssland och utomlands, för att jämföra inställningen till att studera här och i Europa. Det bör noteras att i London Central Saint Martins fanns mer design som sådan, forskning och självständigt arbete. Allt händer där, som de säger, "till dina fingertoppar" - mer verkligt arbete och personligt deltagande. I Ryssland är utbildning mycket mer grundläggande, mycket föreläsningar och formell rapportering, men mindre övning. I själva verket, baserat på vår verklighet, är detta inte ens dåligt. För att ”passa in” i vår ekonomiska bild efter examen behöver du vara i ett sammanhang, och i den meningen är den akademiska karaktären av vår utbildning till viss del motiverad. Jag pratade nyligen med brittiska sökande och tittade på deras läroplan – jämfört med den jag hade, förbättrades den avsevärt och blev mer intensiv, jag avundade dem till och med. Vi hade bara en grundkurs, men nu finns det många fler specialämnen, intressanta moduler, inklusive de som är dedikerade till presentation och praktiskt genomförande av dina idéer. Programmet är viktigt, men mycket beror på elevernas personliga intresse, hur villiga de är att gräva djupare och utvecklas. Naturligtvis spelar lärarens personlighet också en stor roll för motivationen. Vi hade en underbar lärare som bjöd in studenter till praktik på sitt eget kontor, vilket gav dem möjlighet att se yrket inifrån, förstå och känna nyanserna. Jag hade tur efter avslutade studier – jag blev inbjuden att jobba där.

I Britannia ägnas dessutom stor uppmärksamhet åt studentdeltagande i olika tävlingar. Detta är mycket viktigt - både ur synvinkeln av kreativ utveckling och när det gäller framtidsutsikter, eftersom arrangörerna av sådana tävlingar ofta är tillverkande företag. Till exempel har Britannia nyligen samarbetat med en välkänd butikskedja som en del av hennes läroplan. Resultatet blev skyltfönster designade av förstaårsstudenter. Nu kan de ses implementerade på stadens gator. Sådana samarbeten är väldigt viktiga, jag skulle ge mycket för en sådan möjlighet under studietiden. Jag gjorde mitt examensprojekt för interiören av ett kafé medan jag arbetade på en av designbyråerna: jag kom på en design för ett riktigt föremål, och det genomfördes. Det här är en ovärderlig erfarenhet och den bästa motivationen för självutveckling.”

Elena Mincheva

inredningsarkitekt

2007 tog hon examen från Oryol State Technical University med en examen i miljödesign. 2013 flyttade hon till Moskva och tog flera kurser på designskolan "Detaljer". Samtidigt grundade hon tillsammans med sin kollega Alena Nagaeva sin egen inredningsbyrå LABuro.

”När det gäller inredningskursen i Detaljer är det en skattkammare av användbar information från ledande proffs kombinerat med praktiska uppgifter. Då hade jag redan en universitetsexamen och flera års erfarenhet av detta yrke. Men att studera på "Detaljer" gav mig en övergång till en annan nivå. Lärarnas karisma är kärnan i kursen, utan deras personlighet och temperament skulle det inte vara möjligt. Detta är grundaren av skolan, Tatyana Rogova, Andrei Sumatokhin, Maxim Shishigin, Tatyana Smirnova, Ilona Menshakova, Irina Markidonova, Svetlana Arefieva och många andra. De flesta av föreläsningarna är deras personliga erfarenhet och kunskap, och inte bara teori. Du har möjlighet att förstå olika människors visioner och arbetssätt, som ofta är radikalt olika. Deras kommentarer om studieuppsatser är mycket värdefulla. Jag skulle säga att "Detaljer" har sin egen atmosfär skapad av människor, det här är deras egenhet. Du känner dig hemma och i slutet av dina studier blir många av dina klasskamrater vänner. Jag och Alena träffades till exempel och började samarbeta där.

På Detaili gick jag först flera inredningskurser, och gick sedan objektdesignkursen som startade där förra året. Skolan för industriell design i Ryssland är bara i sin linda; länge trodde man att det var snabbare och lättare att beställa en vara än att producera den. Men de senaste åren har situationen förändrats. Det viktigaste vi saknar är förstås en produktionsbas. Jag besökte flera skolor i Milano och frågade vad de hade för detaljer. Åttio procent av tiden arbetar med ett projekt och konsulterar med mentorer, med ett minimum av föreläsningar. När allt kommer omkring handlar produktdesign om kreativitet och innovation, det handlar inte alls om inredning. Här behöver du prova mycket, söka, hitta dina egna lösningar. Reglerna gäller inte här. Vi har nu en bra produktionsbas i Stroganovka, men jämfört med västerländska skolor är den naturligtvis mycket fattigare.”

Tycka om