Designer sind jene Autoritäten in der Modebranche, die uns Modestandards diktieren und Trends bestimmen. Jeder Designer ist für etwas anderes berühmt und erkennbar und jeder hat einen besonderen, einzigartigen Stil. Einige dieser Menschen werden zu echten Legenden in der Welt der Mode und des Stils. Wie haben Sie das geschafft? Vielleicht sind es einfach nur Lieblinge des Schicksals – oder steckt dahinter der Wunsch, ihren Traum zu verwirklichen, und ein gigantischer Arbeitsaufwand? Was hat sie berühmt gemacht?
Gabrielle Bonheur Chanel (Coco Chanel)
Die berühmte Mademoiselle kennt heute wohl jeder. Sie zitieren sie, sie streben danach, sie nachzuahmen. Sie hatte großen Einfluss auf die Mode des 20. Jahrhunderts, gründete das Modehaus Chanel und schenkte sie der Welt Markenparfums unter den Zahlen. Coco erhielt ihren Spitznamen, als sie in einem Kabarett sang. Sie war eine außergewöhnliche, mutige und kluge Persönlichkeit mit großer Willenskraft und tadellosem Geschmack. Ihr verdanken wir die Modernisierung Frauenmode, Anleihen bei vielen Elementen aus der Herrengarderobe, der Beliebtheit des vielseitigen kleinen Schwarzen, Perlen, Tweedanzügen, kleinen Hüten, Schmuck und Bräunung.
Coco Chanel hat Luxus praktisch gemacht. Sie schätzte vor allem den Komfort der Kleidung und verkörperte diesen Grundsatz in ihren Kollektionen. Sie sagte: „Luxus muss bequem sein, sonst ist er kein Luxus.“ Unter Mademoiselles Kunden und Bekannten befanden sich viele Weltstars. In einem Interview antwortete sie auf die Frage, welche Ereignisse in ihrem Leben ihr Interesse an Kunst geweckt hätten: „Ich lebte in einem Waisenhaus unter der Aufsicht von Nonnen und lernte das Nähen.“ Sie haben mir beigebracht Grundfertigkeiten Näherin, dann war ich schon schlau genug, die Methode zu verstehen. Ich habe mich schon früh für Design entschieden und mich darauf konzentriert, weshalb ich so schnell namhafte Kunden hatte.“
Chanel eröffnete ihr erstes Geschäft 1910 in Paris. Dort wurden Hüte verkauft. Später tauchten auch Kleidungsstücke in ihren Geschäften auf. Interessanterweise war das allererste Kleidungsstück, das Chanel kreierte, ein Kleid aus einem Pullover. Die Leute achteten auf ihr Outfit und fragten, wo sie es gekauft hatte, und als Antwort bot Coco an, das gleiche Outfit für Interessierte anzufertigen. Später sagte sie, dass ihr Zustand „auf einem alten Pullover beruhte, den ich trug, weil es in Deville kalt war“.
Karl Lagerfeld
Einer der einflussreichsten Modedesigner, ein Mann von phänomenaler Effizienz, einem facettenreichen Wesen, der Besitzer vieler Talente. Der weltberühmte Designer deutscher Herkunft leitet seit 1983 das Modehaus Chanel. Darüber hinaus ist Karl selbst Designer und Gründer Modemarke, ein talentierter Fotograf, Regisseur, Inhaber eines Verlags und einer persönlichen Bibliothek mit 300.000 Bänden. Lagerfeld sagt über sich selbst: „Ich bin wie ein Chamäleon, in mir leben mehrere Menschen gleichzeitig.“ Für mich ist Schaffen wie Atmen. Ich denke nicht einmal darüber nach. Wenn ich auf dem Chanel-Regisseursessel sitze, bin ich Chanel. Wenn ich nach Rom gehe und im Hause Fendi bin, bin ich Fendi. Ich beginne mit der Arbeit an einer neuen Kollektion einen Tag bevor die vorherige gezeigt wird.“
Sein Kreative Fähigkeiten sind bereits erschienen in frühe Kindheit. Er studierte am Lycée Montaigne am Syndicate of Haute Couture im gleichen Studiengang wie Yves Saint Laurent. Lagerfeld arbeitete mit zahlreichen berühmten Modehäusern zusammen und kreierte Düfte, Konfektionskleidungslinien, Schuhe und Accessoires. Nachdem er 1966 seine erste Kollektion kreiert hatte Pelzprodukte Für Fendi, das ein großer Erfolg war, erregte er die Aufmerksamkeit der einflussreichsten Menschen der Modewelt.
In den 70er Jahren begann Lagerfeld mit berühmten Regisseuren zusammenzuarbeiten und Kostüme für Schauspieler an der Scala zu entwerfen. Er hauchte dem Modehaus Chanel neuen Atem ein und wurde dessen Leiter und Designer. Er sagte: „Ja, sie sagte, dass Mode stirbt, aber Stil ist unsterblich.“ Aber Stil muss sich anpassen, sich der Mode anpassen. Chanel hatte ihr eigenes Leben. Tolle Karriere. Es ist aus. Ich habe alles getan, damit es Bestand hat, und ich tue dies auch weiterhin, damit es für immer bestehen bleibt. Meine Hauptaufgabe besteht darin, zu versuchen, das, was sie getan hat, auf die heutige Zeit zu übertragen. Ratet mal, was sie tun würde, wenn sie jetzt hier leben würde, wenn Mademoiselle an meiner Stelle wäre.“
Freunde nennen Karl den Kaiser (auf Deutsch Cäsar) wegen seiner erstaunlichen Fähigkeit, mehrere Dinge gleichzeitig zu tun. Er verbirgt sein Alter und macht sich Sorgen, dass nicht genug Leben vorhanden ist, um all seine kreativen Ideen zu verwirklichen. Lagerfeld liebt Bücher (er hat sogar den Duft „Paper Passion“ mit dem Duft eines frisch gedruckten Buches kreiert), zeichnet Illustrationen für Werke, kann sich ein Leben ohne Fotografie nicht vorstellen, näht Kostüme für Kino und Theater, stellt Parfüms her, betreibt seine eigene Marke, entwirft Hoteldesigns , dreht Kurzfilme und organisiert Ausstellungen, produziert Damenkollektionen.
Elsa Schiaparelli
Ein berühmter italienischer Designer der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, der als Surrealist aus der Modewelt gilt, der Hauptkonkurrent von Chanel, dem Schöpfer des Konfektionsstils. Elsa wurde in eine aristokratische Familie hineingeboren, studierte von Kindheit an Malerei, Kunstgeschichte und liebte das Theater. Während ihrer Arbeit als Reiseleiterin in Paris beobachtete Elsa, dass sich die Frauen wohlhabender Amerikaner am wenigsten für Architektur und am meisten für Modegeschäfte interessierten. Vermutlich kam ihr damals die Idee, das Publikum mit ungewöhnlichen Klamotten zu schockieren.
Nachdem sie eine Auswanderin aus Armenien kennengelernt hatte, deren Strickpullover Elsa so gut gefiel, überredete sie sie, gemeinsam ungewöhnliche Kleidungsmodelle zu entwerfen. Das Ergebnis ihrer Arbeit war ein sehr ungewöhnliches schwarzes Wollkleid mit einer Schleife in Form eines Schmetterlings. Dank ihrer Arbeit erregten sie Aufmerksamkeit und erhielten einen Großauftrag vom Sportbekleidungsgeschäft Strauss. Es war dieser Auftrag, der Schiaparelli und die Strickwarenfabrik in der armenischen Diaspora berühmt machte. Elsa gründete ihr eigenes Modehaus. Wie ursprünglich beabsichtigt, schockierte sie die Öffentlichkeit mit ihren Kollektionen. Sie verkörperten ihre wildesten Fantasien und Träume und drückten etwas Irrationales und Unverständliches aus. Jeder Artikel war ein Unikat. Viele wurden in einer einzigen Kopie erstellt. Herzen, Sternbilder, sich umarmende Arme, Schlangen, Riesenfliegen, ungewöhnliche Designs, Stickereien und ausgefallene Accessoires – all das erregte Aufmerksamkeit und schockierte.
Es war Elsa, die als erste das Konzept der „Boutique“ (ein Geschäft, das kleine Serien von Designerkleidung verkauft) erfand. Viele Prominente arbeiteten mit Elsa zusammen und kauften gerne ihre Kleidung. Schiaparelli hatte einen Vertrag mit Hollywood. Sie war mit Salvador Dali befreundet (er war es, der ihr die Idee für ein Kleid mit Hummer und Petersilie und einer Handytasche gab). Unter dem Einfluss von Dali schuf Elsa ihre ungewöhnlichsten Dinge: einen Hut in Form eines Schuhs oder eines Tintenfasses, Handschuhe mit Taschen für Streichhölzer. Modeschmuck war die Verkörperung der seltsamsten Ideen; als Materialien dienten Lutscher, Medikamente, Radiergummis, Federn, Bleistifte und getrocknete Käfer.
Elsa nannte ihr Modehaus oft verrückt. Die Popularität von Schiaparellis Kollektionen war enorm; jeder wollte diese seltsamen Kleidungsstücke haben, sogar die Herzogin von Windsor selbst. Doch als sie aufgrund des Ausbruchs des Zweiten Weltkriegs in die USA ausreisen musste, schien es, als hätten sie sie vergessen. Als sie 1944 nach Paris zurückkehrte, war ihr Stil nicht mehr gefragt. Chanel dominierte die Modeszene und Elsa beschloss, die Modewelt zu verlassen.
Beide talentierten Frauen waren Modeinnovatoren, aber sehr unterschiedlich. Chanel kreierte im Rahmen der Klassiker, ohne den Fokus auf Helligkeit und Eingängigkeit zu legen. Elsa war extravagant, liebte es zu schockieren und zu provozieren. Der Beitrag beider zur Mode ist zweifellos von unschätzbarem Wert, auch wenn die Marke Schiaparelli schon lange nicht mehr existiert. Elsas Ideen und Entdeckungen sind auf moderne Weise verkörpert, als wäre sie ihrer Zeit voraus. Ungewöhnliche Farbkombinationen, Fuchsia (schockierendes Pink – das ist auch Schiaparellis Idee!), Flaschen in Form eines weiblichen Körpers, Pelzschuhe, Stiefeletten, ungewöhnliche Taschen – all das sind die Ideen der talentierten Elsa, die großen Einfluss hatte über die Welt der Mode und des Stils.
Christian Dior
Einer der berühmtesten französischen Modedesigner, dem wir ultrafeminine Kleider im neuen Look verdanken. Er hatte künstlerisches Talent und träumte in seiner Jugend davon, ein großer Künstler zu werden. Nach dem Bankrott seiner privaten Kunstgalerie erlebte er schwierige Zeiten, Armut und Arbeitslosigkeit, doch das Schicksal schien ihm einen anderen Weg zu bereiten. Er begann, Theaterkostüme zu entwerfen und Skizzen für französische Modemagazine zu zeichnen. Und diese Skizzen wurden unglaublich populär, er begann mit der Modeabteilung der Zeitung Figaro zusammenzuarbeiten und er wurde bemerkt. Ich beschloss, mich auf Bekleidungsmodelle zu spezialisieren, obwohl Skizzen von Hutmodellen viel beliebter waren. Der berühmte Modedesigner Piguet wurde auf Dior aufmerksam, doch wegen des Krieges startete Diors Karriere damals nicht.
Nach seiner Rückkehr aus der Armee begann Christian im berühmten Modehaus Lucien Lelong zu arbeiten, wo er viel lernte. Dank der Finanzierung eines Textilmagnaten wurde 1946 das Modehaus Dior in Paris eröffnet. Im Alter von 42 Jahren wurde er berühmt; seine erste Kollektion, die er selbst „Crown Line“ nannte, galt als revolutionär und war ein voller Erfolg. Stellen Sie sich die Nachkriegszeit vor, als Frauen sich so sehr nach Schönheit und Raffinesse sehnten, nach betont femininen und luxuriösen Outfits. Dior, unglaublich sensibel und talentiert, spürte die Stimmung der Gesellschaft, ihre Wünsche und Träume. Die Pariser Frauen waren der maskulinen Jacken und kurzen Röcke so überdrüssig, dass sie die Kollektion von Dior mit Freude begrüßten. Feminine Silhouetten, luxuriöse und helle Stoffe, betonte Taillen, knöchellange Röcke (entweder weit oder gerade), kleine runde Schultern – alles in dieser Kollektion war die Verkörperung traditioneller Weiblichkeit und Charme.
Aber nicht alles war so rosig. Feministinnen kritisierten die Kollektion und sagten, dass die Rückkehr zu Krinolinen und Korsetts ein Zeichen für Unterdrückung sei arbeitende Frauen. Viele glaubten, dass Luxus und Glanz nach dem Krieg unangemessen und blasphemisch seien. Doch trotz der Kritik faszinierte der neue Look die Öffentlichkeit. Diors Popularität war überwältigend; sein Name wurde mit Luxus und gutem Geschmack in Verbindung gebracht. Jede seiner Kollektionen wurde mit Spannung erwartet und jede war ein Erfolg.
Erst 1954 kam es zu einem etwas gefährlichen Moment für Diors Karriere, als Chanel in die Modebranche zurückkehrte, die die „Schrecken der 50er Jahre“, wie sie von Diors Modellen sprach, nicht ertragen konnte. Aber Dior kam sehr intelligent aus dieser Situation heraus, indem er eine neue Kollektion herausbrachte, leicht und entspannt. Anders als zuvor, aber immer noch genauso feminin. Die Silhouetten waren natürlicher, die Linien weicher. Diors persönlicher Assistent sagte einmal nach dem Tod des großen Modeschöpfers: „Wenn Dior gelebt hätte, wäre die Mode nicht in einem so beklagenswerten Zustand wie jetzt.“
Yves Saint Laurent
Einer der führenden Modedesigner des 20. Jahrhunderts, den Christian Dior zu seinem Nachfolger wählte. Seit seiner Kindheit zeichnete er und liebte das Theater, machte Heimpuppenspiele, klebte Kostüme und malte Landschaften. Laurent arbeitete als Assistent von Dior und war von seinem Genie fasziniert, und Dior wiederum erkannte den jungen Mann sofort als zukünftigen Meister.
Im Alter von 21 Jahren übernimmt Laurent nach dem plötzlichen Tod von Dior die Leitung eines der berühmtesten Modehäuser und rettet die Marke buchstäblich vor dem finanziellen Ruin. Er präsentierte seine erste Damenkollektion, eine weichere und leichtere Version des neuen Looks mit einer A-Linien-Silhouette. Laurent war der erste, der französische Mode in die UdSSR einführte (1959) und flog mit 12 Modellen hierher.
Als Nachfolger, der den Erwartungen des verstorbenen Dior gerecht wurde, schien es gute Aussichten zu geben. Aber es verlief nicht ohne Neid und Ärger. Gerüchten zufolge bestand der Besitzer des Modehauses Dior (Marcel Boussac) darauf, dass Saint Laurent dorthin geschickt wird Militärdienst nach Afrika und wollte damit den Designer loswerden. Dort erfährt er, dass er aus dem Modehaus Dior entlassen wurde.
1961 erschien die Marke Yves Saint Laurent; ihre erste Kollektion war ein großer Erfolg. Orientalische Motive, leuchtende Farben, Inspiration aus afrikanischen Ländern. Saint Laurent stellt außerdem Parfüme her, arbeitet als Theaterdesigner und entwirft Bühnenbilder und Kostüme.
Auch die Ideen der nachfolgenden Kollektionen von Laurent fanden große Anerkennung und wurden zu einer Art Modeklassiker: Damen-Smokings (später wurden sie zum Markenzeichen der Marke), Hosenanzüge, hohe Stiefel, Stehpullover, schwarze Lederjacken im Safari-Stil Kleider, ethnische Motive. Laurent ist der erste Designer, der eine vollwertige Konfektionslinie auf den Markt bringt, und der erste Designer, dem zu seinen Lebzeiten eine Ausstellung im Metropolitan Museum of Art gewidmet ist.
Giorgio Armani
Der italienische Modedesigner gilt als Modepionier des 20. Jahrhunderts, als Meister des Schneiderhandwerks, als Anhänger der Qualität und als großer Ästhet. Seit seiner Kindheit liebte Giorgio Kunst und Theater, er selbst zeichnete und nähte Outfits für Puppen. Er träumte davon, Schauspieler zu werden, aber seine Eltern bestanden darauf, Arzt zu werden. Nach zwei Jahren Studium brach Giorgio die Universität ab. Er fand sich in der Welt der Mode wieder. Armani gründete 1974 seine eigene Marke. Zuvor arbeitete er als Schaufensterdesigner in einer großen Kaufhauskette und entwarf auch Herrenbekleidung für Nino Cerruti.
Armanis professionelle Fähigkeiten im Umgang mit Stoffen führten dazu, dass ihm tatsächlich die Herangehensweise an die Schneiderei zu verdanken war Männerkleidung komplett verändert. Es traten Leichtigkeit und Geschmeidigkeit auf, die seinen Produkten zusammen mit Einfachheit und Prägnanz besonderen Chic und Komfort verleihen. Nach dem überwältigenden Erfolg der Herrenkollektion begann Armani mit der Präsentation von Damenkollektionen und richtete sein Augenmerk dabei vor allem auf berufstätige Frauen. In seinen Kollektionen koexistieren traditionelle Ansichten harmonisch mit modernsten Trends. Er modernisierte die Klassiker mit großer Anmut und Geschmack. Luxuriöse Materialien, Experimente mit Stoffkombinationen, Funktionalität und Vielseitigkeit sowie lässige Eleganz sind die Markenzeichen der Armani-Kollektionen.
Ralph Lauren
Berühmter amerikanischer Designer, der „König“ genannt wird fertiges Kleid, „der Amerika für Amerika entdeckte.“ Sein Unternehmen (Polo Ralph Lauren Corporation) produziert Accessoires, Kleidung, Unterwäsche, Textilien, Möbel, Tapeten, Parfüme und Geschirr. Lauren wurde dreimal zur Designerin des Jahres gekürt und außerdem vom US Design Council zur Modelegende ernannt. Für viele Menschen ist Ralph Lauren ein Beispiel dafür, wie eine Person aus einer niedrigen sozialen Schicht mit einem Traum und Talent große Höhen erreichen kann. Ralph stammt aus Weißrussland (seine Eltern haben sich in den USA kennengelernt und geheiratet), stammt aus einer armen Familie mit vielen Kindern und hat sich schon in jungen Jahren das Ziel gesetzt, erfolgreich zu sein. Er staunte über den Kleiderschrank seines Klassenkameraden, der nur ihm gehörte und in dem die Kleidung so ordentlich angeordnet war. In Ralphs Wohnung gab es einen Schrank für alle. Seitdem beschloss der zukünftige Designer, für seinen Traum zu arbeiten und Geld zu sparen.
Interessant ist, dass Lauren kein Diplom in Modedesign hat, aber gleichzeitig einer der besten Designer der Welt ist. Er näht selbst keine Kleidung, sondern ist Inspiration, Designer und denkt jede Kollektion bis ins kleinste Detail durch. Der Designer selbst sagt dazu: „Ich habe nie eine Modeschule besucht – ich war ein junger Mann, der seinen eigenen Stil hatte. Ich hätte nie gedacht, dass Polo zu dem werden würde, was es ist. Ich bin einfach meinem Instinkt gefolgt.
Zunächst arbeitete Ralph als Verkäufer (Verkäufer von Kleidung, Handschuhen und Krawatten), wurde dann Krawattendesigner und schuf ein grundlegend neues Modell (er ließ sich vom Roman „Der große Gatsby“ inspirieren): eine breite Seidenkrawatte (zu einer Zeit). als dünne Krawatten in Mode waren). Dank eines Investors eröffneten Lauren und ihr Bruder ein Geschäft und ihre eigene Marke, Polo Fashion. Die Menschen wollten hochwertige und stilvolle Dinge und Accessoires, die Marke erfreute sich immer größerer Beliebtheit. Lauren produzierte Kollektionen von Konfektionskleidung (zuerst für Männer und dann für Frauen) und Accessoires. Er war der Einzige, der begann, Sportshirts in 24 Farbtönen herzustellen.
Laurens Kollektionen vereinen Chic, Raffinesse und gleichzeitig Leichtigkeit, Schlichtheit und Helligkeit. „Meine Kleidung ist eine Vision dessen, woran ich glaube. Jemand hat mir einmal gesagt, dass ich Schriftsteller bin. Es stimmt – ich schreibe durch meine Kleidung. Es verkörpert eine Geschichte, nicht nur Kleidung“, sagte Lauren. Ralphs Frau inspirierte ihn zur Kreation von Kollektionen Frauenkleidung: „Meine Frau hat einen guten Geschmack und ihren eigenen Stil. Wenn sie Hemden, Pullover und Jacken trug, die sie in Herrengeschäften gekauft hatte, fragten die Leute immer, wo sie sie herhat. Ich assoziierte ihr Aussehen mit einer jungen Katharine Hepburn – einem rebellischen Mädchen auf einem Pferd, dessen Haare im Wind wehten. Ich habe Hemden für sie entworfen. Lauren führte westliche Kleidung in die Mode ein. Und Poloshirts scheinen nie aus der Mode zu kommen.
Die Träume des Jungen Ralph sind wahr geworden: Er ist einer der reichsten Menschen der Welt, er hat eine starke Familie, drei Kinder, er besitzt eine Ranch und ist einer der weltweit größten Sammler von Oldtimern.
Roberto Cavalli
Der berühmte italienische Designer bezeichnet sich selbst als „Modekünstler“ und ist berühmt für seine exotischen und spektakulären Kollektionen an Kleidung und Accessoires. Sein Modehaus vertritt die Philosophie von Weiblichkeit, Chic und strahlendem Temperament. Der Designer selbst sagte in einem Interview, dass seine Mode „erfolgreich und relevant wurde, weil andere Designer weiterhin eintönige Dinge produzierten … Lange Zeit versuchten Designer, Frauen gleichberechtigt mit Männern zu kleiden.“ Ich habe diesen Trend geändert. Ich versuche mit meiner Kleidung die weibliche, sexy Seite hervorzuheben, die in jedem Vertreter des schönen Geschlechts vorhanden ist.“
Sein Großvater, der berühmte Künstler Giuseppe Rossi, und seine Mutter, eine Schneiderin und Designerin, hatten großen Einfluss auf die Entwicklung von Cavallis Talent. Als Cavalli seiner Mutter beim Nähen von Kleidung half, wurde ihm klar, dass er Design und Mode studieren wollte. Er war einer der besten Studenten der Akademie der Schönen Künste in Florenz und studierte Textildrucktechnologien. Schon damals schuf er eine Reihe von Blumendrucken, die die Aufmerksamkeit großer Manufakturen in Italien auf sich zogen. Cavalli experimentierte schon immer gern; noch während seines Studiums an der Akademie begann er, sich verschiedene Möglichkeiten zum Färben von Leder und Stoffen auszudenken, er war damals erst 20 Jahre alt.
Und so führten diese Experimente dazu, dass Cavalli Anfang der 70er Jahre selbst ein Lederdrucksystem erfand und patentierte, das es ermöglichte, es in sechs verschiedenen Farben zu färben. Diese revolutionäre Erfindung wurde sofort bei verschiedenen Modehäusern beliebt. Stretch-Denim-Jeans sind ein weiterer Hit von Cavalli, der dem Haus Wohlstand und Erfolg beschert.
Roberto Cavallis helle und extravagante Kleidung ist bei Fashionistas auf der ganzen Welt sehr gefragt und wird von den glamourösesten Prominenten der Welt getragen. Cavalli glaubt, dass eine Frau Charakter und eine starke Persönlichkeit haben sollte. In einem seiner Interviews sagte er: „Schönheit kommt von innen und spiegelt die Individualität jedes Menschen wider ... Schönheit ist eine Visitenkarte, die beim ersten Treffen hilft, beim zweiten jedoch völlig nutzlos ist.“
Valentino Garavani
Der Gründer des Modehauses Valentino, ein berühmter italienischer Modedesigner, liebte es seit seiner Kindheit zu zeichnen, in seiner Jugend liebte er Kunst und interessierte sich für Mode. Er war Lehrling, studierte an der Schule der Schönen Künste in Paris und an der Schule der Haute Couture-Kammer. Er arbeitete in mehreren Modehäusern und eröffnete dann sein eigenes Atelier. Seine Werke zeichneten sich durch Raffinesse, hervorragenden Schnitt, teure Stoffe, handgefertigte Verzierungen und Raffinesse aus. 1960 erschien die Marke Valentino.
Dank eines Treffens mit dem Architekten Giametti, dem zukünftigen Generaldirektor des Modehauses, erhält Valentino die Möglichkeit, sich ausschließlich der Kreativität zu widmen, ohne sich mit den Feinheiten des Geschäftslebens zu befassen. Er selbst sagte: „Ich weiß nur, wie man Kleider zeichnet, Gäste empfängt und ein Haus dekoriert, aber vom Geschäft verstehe ich nichts.“ Eine der Kollektionen der 60er Jahre enthielt rote Outfits, die später zum Markenzeichen des Modehauses Valentino wurden. Der Modedesigner sagt: „Rot ist die beste Farbe. Es steht jeder Frau, man muss nur bedenken, dass es über 30 verschiedene Farbtöne dieser Farbe gibt.“
Seit vielen Jahren kleidet der Designer prominente Persönlichkeiten ein, viele von ihnen kauften lieber exquisite Brautkleider bei ihm. Zu seinen Kunden zählten so legendäre Persönlichkeiten wie Jacqueline Kennedy, Audrey Hepburn, Sophia Loren und Elizabeth Taylor. Bei den Oscars glänzten viele Schauspielerinnen in Outfits von Valentino. 2007 gab der berühmte Modedesigner seinen Rückzug aus der Modewelt bekannt und 2008 fand auf der Pariser Modewoche eine Abschiedsshow statt, bei der alle Models in roten Kleidern über den Laufsteg liefen und das Publikum stehende Ovationen spendete.
Webdesigner und -entwickler träumen von der perfekten Website, die die Benutzer einfach lieben werden. Das Wichtigste, was sie dabei tun können, ist, der Website eine visuelle Harmonie aller Elemente zu verleihen. Dieser Artikel enthält einige Tipps, wie Sie ein erfolgreicher Webdesigner werden. Sind Sie bereit, alle über Ihre Website zu informieren? Dann fangen wir an!
Intuitivität
Während alle Designer nach Einzigartigkeit streben (und das ist ganz normal), leugnen einige von ihnen die Bedeutung von Intuitivität und Klarheit.
In einer benutzerzentrierten Welt müssen alle Apps und Websites intuitiv sein, damit ein Produkt leicht zu verstehen und zu verwenden ist. Ohne dies wird keine einzige Site in Erinnerung bleiben.
Benutzer möchten und müssen mehr Zeit damit verbringen, Ihre Website/App zu erkunden, aber es sollte nicht stundenlang dauern. Wie Sie das Verfahren vereinfachen und keine besonderen Anstrengungen erfordern, um diese oder jene Aktion auszuführen, liegt bei Ihnen.
Innovation ist eine weitere wesentliche Fähigkeit, die ein guter Designer haben muss. Die Arbeit muss interessant und kreativ sein und im richtigen Moment erscheinen. Die beste Lösung für den Designer besteht jedoch immer noch darin, schwerwiegende Abweichungen von bereits akzeptierten Standards zu vermeiden.
Verwenden Sie beispielsweise ein allgemein anerkanntes Registrierungsverfahren oder platzieren Sie Schlüsselelemente dort, wo Benutzer sie erwarten.
Vertraute Navigation
Denken Sie an dieses Beispiel aus der Praxis: Sie besuchen zum ersten Mal einen Freund und wissen noch nicht, wo welches Zimmer ist. Es ist unwahrscheinlich, dass Sie jemals ein Haus betreten, in dem sich das Badezimmer im Keller befindet, und wenn doch, wird es Ihnen wahrscheinlich nicht besonders gefallen.
Mit Webdesign ist es absolut dasselbe: Benutzer müssen lernen, sich auf der Website zurechtzufinden, beim Betreten der Website haben sie bestimmte Erwartungen. Was Sie nicht wollen, ist, sie so sehr zu verwirren, dass sie nicht mehr zurückkommen wollen.
Seien Sie ein guter Führer! Benutzer sind ungeduldig und warten nicht, bis Sie ihnen sagen, wo sie klicken und was sie tun sollen.
Genau wie bei Ihnen zu Hause beherbergen Sie auf dem Gelände Gäste und müssen ihnen detailliert erklären, wie sie ihr Ziel erreichen können. Gutes Design sollte über eine intuitive Navigation verfügen und Elemente dort platzieren, wo sie hingehören.
Wie im Beispiel sollte sich die Option zum Anmelden/Anmelden in der oberen rechten Ecke befinden. Denken Sie daran, dass jede Schaltfläche/Leiste als einfache Navigation dienen kann: Sie müssen mit Formen, Linien und Farben arbeiten; und nutzen Sie sie, um den Leuten zu sagen, was jedes Element bewirkt.
Flexibilität
Flexibilität ist der umstrittenste Aspekt des Designs; Sie müssen ein Produkt erstellen, das auf jedem Browser/Gerät gleich gut funktioniert. Viele Designer unterschätzen die Bedeutung von Flexibilität und präsentieren ihre Designs am Ende mit Schriftarten, die nicht lesbar sind oder sogar nicht funktionieren.
Das Entwerfen für einen bestimmten Browser/ein bestimmtes Gerät ist nicht der beste Ansatz: Denken Sie daran, dass alle Benutzer unterschiedliche Vorlieben haben. Daher muss das Design für alle möglichen Geräte geeignet sein, die Benutzer möglicherweise haben.
Einfachheit
Es ist schwer, der Versuchung zu widerstehen, eine Reihe verschiedener Elemente und Optionen hinzuzufügen. Zu viele Tools, Schaltflächen, Navigation und Abschnitte verwirren Benutzer und führen zu unnötigen Auswahlmöglichkeiten. Und wenn man das Ganze betrachtet, kann es dazu führen, dass wichtige Informationsseiten ganz ignoriert werden.
Nehmen Sie Google als Beispiel: Einer der Gründe für seinen Erfolg ist, dass es möglichst einfach zu bedienen ist.
Wir sagen Ihnen jedoch nicht, dass Sie alles so einfach machen sollen, dass Langeweile entsteht und es völlig an interessanten Lösungen mangelt. Wir gehen davon aus, dass Ihr Backend weiterhin komplex bleibt. Dies ist nur notwendig, um dem Benutzer die Interaktion mit der Website so einfach wie möglich zu machen.
Komfort
Gute Designer wissen, dass ihre Websites hier und jetzt einer Neugestaltung bedürfen, vor allem, damit sie schön aussehen und die Navigation angenehm ist. Dennoch muss ein Redesign innovativ sein und gleichzeitig die Funktionen beibehalten. Es gibt viele coole Seiten, die vor der Neugestaltung viel besser waren.
Reduzieren Sie Ihre Wartezeit
Als Benutzer wissen Sie wahrscheinlich, wie sich Ladezeiten auf das Besuchererlebnis einer Website auswirken. Niemand verbringt gerne Stunden damit, auf das Laden einer Seite zu warten, wenn es tausende andere Websites gibt, auf denen man die gleichen Informationen erhalten oder die gleiche Aktion ausführen kann.
Heutzutage ist die Konkurrenz sehr groß, alle Websites sind angenehm und interessant und Zeit kann das einzige Kriterium sein, das eine Website von allen anderen abhebt.
Um die Ladezeiten zu verkürzen, reduzieren Sie zunächst die Anzahl der grafischen Elemente (Animationen, Videos, Grafiken und sogar hochauflösende Bilder). Content-Optimierung wird eine Website niemals schlechter machen.
Achten Sie auf Feedback
Das Hinterlassen und Empfangen von Feedback ist nicht nur ein Trend, sondern eine Analyse dessen, was die Leute wirklich über Ihr Produkt denken. Schauen Sie sich die erfolgreichsten Designer und Entwickler an: Sie verlassen sich fast immer auf das, was ihre Benutzer ihnen sagen.
Außerdem wissen sie, dass der Benutzer immer Recht hat und es kein anderes Argument als dieses gibt. Feedback zeigt, was geändert werden muss, schafft aber auch eine starke Verbindung zu den Benutzern, in der sie sich wertgeschätzt und umsorgt fühlen. Jeder liebt es!
Durch die Bereitstellung einer Feedback-Option zeigen Sie, dass Sie wirklich mit Benutzern interagieren möchten. Denken Sie daran, dass Feedback nicht Ihr einziges Interaktionsinstrument ist: Sie können visuelle Hinweise geben, um Benutzer anzuleiten (z. B. indem Sie auf wichtige Elemente hinweisen); Dialoge unterstützen; Fehlermeldungen usw.
Es gibt viele Tools, mit denen Sie visuelle Hinweise erstellen können: Form, Größe, Farbe und Platzierung zeigen den Benutzern, dass Sie sich immer für das interessieren, was sie tun.
Lesbarkeit
Sie können die perfekteste Website haben, die Sie sich vorstellen können, aber wenn Sie sie nicht leicht lesbar machen, ergibt sie keinen Sinn. Wie Sie wissen, haben Benutzer kein Problem damit, zu verschiedenen Websites zu navigieren, insbesondere wenn sie Schwierigkeiten haben, den Inhalt zu lesen. Deshalb sollten Sie über Lesbarkeit nachdenken das wichtigste Element deine Seite.
Bei der Lesbarkeit kommt es nicht nur auf die Buchstabengröße an: Sie sollten eine Schriftart verwenden, die dem Auge gefällt, und Informationen logisch und verständlich anordnen. Vergessen wir nicht, dass der Inhalt interessant sein muss, damit Benutzer die Website erneut besuchen möchten.
Endeffekt
Hören Sie nicht auf, an sich selbst zu arbeiten und neue Dinge über Ihre Arbeit zu lernen. Sie haben vielleicht eine tolle Website erstellt, aber sie wird nichts wert sein, wenn Sie Ihre Benutzer nicht zufrieden stellen.
Um es zusammenzufassen: Beeinträchtigen Sie nicht die Optik Ihres Designs. Lassen Sie viel Platz und verwenden Sie Farben, die dem Auge gefallen, um den Nutzer nicht abzuschrecken. Machen Sie Ihre Website nicht zu etwas Stressigem, mit einer Menge Details und Optionen, die Benutzer überhaupt nicht benötigen. Und denken Sie daran: Je mehr Sie an Ihren Inhalten arbeiten, desto mehr Spaß wird es für die Benutzer machen, sie zu erkunden.
Leider haben manche Menschen, die den Weg der Innenarchitektur einschlagen, eine falsche Vorstellung vom Wesen professioneller Arbeit.
Natürlich können einige Aspekte der Arbeit als Designer spannend sein, weil sie das Experimentieren mit Stoffen, Farben und Oberflächen beinhalten. Die Arbeit hat jedoch noch eine ganz andere Seite, die für viele zur Routine wird. Und glauben Sie mir, es kann den Aufbau einer Karriere beeinträchtigen.
Maestro der Kommunikation
Nehmen Sie als Beispiel einen Artikel über den berühmten Architekten James Blakely, in dem er feststellt, dass er die meiste Zeit damit verbringt, mit anderen Designern, Verkäufern, Hausbesitzern, Herstellern usw. zu kommunizieren. Und was denkst du? Er ist einer der erfolgreichsten Menschen auf diesem Gebiet!
In gewisser Weise ist es wie ständige Eigenwerbung. Zunächst denken Sie, dass Sie ausschließlich kreativ sein werden, indem Sie Bilder erstellen, Farben auswählen und die Anordnung von Möbeln und Dekorationsgegenständen planen.
Tatsächlich stellte sich heraus, dass ich ein paar Kommunikationskurse hätte belegen sollen, anstatt endlos viele Designkurse zu studieren. Denn welchen Sinn hat es, beeindruckende Projekte zu entwickeln, wenn man nicht weiß, wie man sie verkauft?
Darüber hinaus ist es notwendig, Ihre Pläne den Herstellern, Auftragnehmern und anderen Spezialisten in verwandten Branchen ordnungsgemäß zu vermitteln.
Design ist nicht nur eine spannende Tätigkeit und das Experimentieren mit Materialien
Kreative Umsetzung durch Kommunikationsfähigkeit
Guter Psychologe
Es mag albern erscheinen, aber die Fähigkeit, menschliche Gesten richtig zu interpretieren, wird Ihnen dabei helfen, Ihre Karriere als Innenarchitekt voranzutreiben. Im Wesentlichen müssen Sie lernen, auf einer intuitiven Ebene zu verstehen, was Kunden wirklich brauchen.
Der Kunde kommt entweder mit vielen Ideen zum ersten Treffen oder erwartet professionelle Empfehlungen von Ihnen. Nun hängt Ihr Ruf davon ab, was für ein scharfsinniger Zuhörer Sie waren, und in gewissem Maße auch vom Vorhandensein Ihrer telepathischen Fähigkeiten.
Das ideale Ergebnis der Zusammenarbeit
Unermüdlicher Entdecker
Bevor Sie Ihren Bachelor of Fine Arts abschließen, empfehlen wir Ihnen, ein Praktikum bei einem lokalen Designer zu absolvieren. Vertrauen Sie mir, es gibt keinen besseren Weg herauszufinden, ob Sie dieses Handwerk beherrschen und Spaß daran haben. Ist das Ergebnis positiv, können Sie mit dem Aufbau des notwendigen Fachwissens beginnen.
Wenn Sie Ihre Ausbildung abgeschlossen haben, hören Sie hier nicht auf. Die einzige Möglichkeit, in dem von Ihnen gewählten Bereich relevant zu bleiben und einen Vorsprung gegenüber Ihren Mitbewerbern zu haben, besteht darin, Ihre Fähigkeiten in den Bereichen Architektur, Bauvorschriften, nachhaltiges Design usw. kontinuierlich zu verbessern.
Selbstbildung ist Stärke
Seien Sie modern und wettbewerbsfähig
Hier sind einige wichtige Punkte für den Weg zum Erfolg:
- Besuchen Sie so viele Fachveranstaltungen wie möglich, einschließlich internationaler Ausstellungen und Shows.
- Bauen Sie eine Beziehung zu einem guten Mentor auf, der Ihnen erlaubt, sein Assistent zu sein und Sie in sein berufliches Umfeld einzuführen.
- pflegen Sie Beziehungen zu ehemaligen Kunden – diese werden Sie zunächst ihren Freunden empfehlen;
- Sichern Sie Ihre Präsenz im Internetbereich mit maximalen Ressourcen (Blogs, soziale Netzwerke, Fachforen). Erstellen Sie Ihre eigene Website, um Bilder und Videos abgeschlossener Projekte zu präsentieren, mit potenziellen Kunden zu kommunizieren usw.
- Entwickeln Sie Ihren Markennamen.
Heutzutage erfreuen sich kreative Berufe immer größerer Beliebtheit. Einer von ihnen ist Designer. Obwohl diese Spezialität auf den ersten Blick leicht zu verstehen scheint, ist sie in Wirklichkeit nicht so einfach. Schließlich reicht es nicht aus, nur Designer zu werden; es ist wichtig, in seinem Bereich erfolgreich, wettbewerbsfähig und gefragt zu sein. Aber wie wird man ein erfolgreicher Designer – um in einer so beliebten und riesigen Branche große Erfolge zu erzielen?
Was sollte ein Designer können?
Natürlich kann nur ein Spezialist erfolgreich sein, der auf seinem Gebiet kompetent ist und über bestimmte Qualitäten, Fähigkeiten und Kenntnisse verfügt. Um im Designberuf erfolgreich zu sein, müssen Sie:
- über eine originelle Denkweise verfügen und die Fähigkeit haben, Standardisierung und Einheitlichkeit zu vermeiden;
- Ausbildung. Natürlich geht es auch darauf, aber um die Grundlagen des Skizzierens und Zeichnens von Modellen zu beherrschen, reicht Talent allein nicht aus. Daher ist eine Fachausbildung erforderlich. Heutzutage ist die Fachrichtung „Designer“ nicht nur an höheren Bildungseinrichtungen, sondern auch an Hochschulen verfügbar. Darüber hinaus gibt es sogar Kurzzeitkurse;
- das Vorhandensein eines entwickelten ästhetischen und künstlerischen Geschmacks, eines subtilen Sinns für Stil, Kenntnis der neuesten Modetrends;
- Fähigkeit, den Wünschen und Vorlieben des Kunden zuzuhören und sie zu verstehen, konfliktfrei;
- ständige Konzentration auf den Arbeitsprozess;
- Ausdauer und Liebe für die gleiche Art monotoner Arbeit;
- Vorhandensein kreativer Ideen und Verständnis dafür, wie diese zum Leben erweckt werden können;
- Fähigkeit, auf Details zu achten;
- Kenntnisse grundlegender Betriebstechnologien;
- Wunsch, sich ständig weiterzuentwickeln.
Tatsächlich ist dies nur ein kleiner Teil der Fähigkeiten und Kenntnisse, die ein Designer haben sollte, aber ohne sie ist es unwahrscheinlich, dass Erfolg erzielt wird.
Zusätzlich zu den erforderlichen Fähigkeiten muss ein Designer auch ständig nach Selbstverbesserung streben. Dazu müssen Sie Ihren Horizont erweitern, klassische und moderne Literatur lesen, Trends in Musik und Kino verfolgen, denn aus diesen Quellen können Sie zahlreiche Ideen gewinnen und aus den Erfahrungen Ihrer Vorgänger lernen.
Ein erfolgreicher Designer ist eine talentierte und zielstrebige Person. Und wenn Ersteres von Natur aus gegeben ist, muss man regelmäßig an sich selbst arbeiten, um Eigenschaften zu erwerben, die zur Anerkennung führen können. Sie können auch spezielle psychologische Schulungen besuchen, um Vertrauen in sich selbst und Ihre Fähigkeiten zu gewinnen.
Natürlich hängt der Erfolg eines Designers auch von der Fähigkeit ab, mit Kunden zu kommunizieren. Daher müssen Sie gute Manieren haben, pünktlich sein, höflich mit Kunden sprechen und ihre Vorlieben akzeptieren. Jede Äußerung von Arroganz ist inakzeptabel.
Inspiration spielt für einen kreativen Menschen eine sehr wichtige Rolle, denn darauf baut seine gesamte Arbeit auf. Um also immer genügend Ideen und die Kraft zu haben, diese umzusetzen, müssen Sie sich ausreichend ausruhen, Überlastung vermeiden und auf Ihre eigene geistige und körperliche Gesundheit achten.
Bieten Sie Ihre Dienste im Internet an. Dafür gibt es spezielle Freelance-Börsen, Message Boards, Foren etc.
Heutzutage wurden viele moderne Gadgets und Programme entwickelt, die die Arbeit eines Designers erleichtern und verbessern können. Nutzen Sie neue Technologien, um Ihr Unternehmen weiterzuentwickeln.
Ein erfolgreicher Designer zu werden ist keine leichte Aufgabe, denn die Konkurrenz in dieser Branche ist ziemlich groß. Aber wenn Sie Talent haben, den Wunsch haben, zu arbeiten und sich weiterzuentwickeln, können Sie Ihr Ziel erreichen.
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Über welche weiteren Fähigkeiten, Fertigkeiten und Kenntnisse sollte ein erfolgreicher Designer Ihrer Meinung nach verfügen? Teilen Sie Ihre Meinung und vielleicht auch Ihre Erfahrungen in den Kommentaren zu diesem Artikel mit.
Viel Glück und bis zum nächsten Artikel.
Lange Zeit nahm das Wohndesign unter den gesellschaftlich populäreren Bereichen und Disziplinen eine fast marginale Stellung ein. In letzter Zeit hat sich die Situation merklich geändert, und jetzt werden unsere Designer nicht nur in ihrem Heimatland berühmt und gefragt, sondern machen sich auch aktiv auf dem internationalen Markt bekannt. Wir haben mit erfolgreichen Absolventen der wichtigsten Designschulen des Landes sowie der British Higher School of Design darüber gesprochen, wo und wie russische Designer heute studieren.
Tatiana Repina
Produktdesigner, Gründer des Aotta Design Studios
Geboren 1988. 2014 schloss sie ihr Studium an der Moskauer Staatlichen Akademie der Künste und Wissenschaften ab. S. A. Stroganova, Abteilung für Möbeldesign. Das Diplomprojekt des Küchenmoduls „LOLO“ wurde von der inländischen Firma „Luch“ in Serie gebracht.
Jahr 2012. Fresh Collection-Wettbewerb für Outsidesign, Shortlist
Jahr 2013. Russischer Möbelwettbewerb 2013 für Pointex, 2. Platz
Jahr 2013. Nayada ArchChallenge, Shortlist
2016 iSaloni WorldWide Moskau, SaloneSatellite 2016, 1. Platz
2017 iSaloni Mobile Italien, SaloneSatellite 2017, 3. Platz
„Ich bin in die Stroganow-Akademie der Moskauer Staatlichen Akademie der Künste und Wissenschaften eingetreten, als es noch ein sechsjähriges Bildungssystem gab und die Abteilung akademischer hieß: „Künstlerisches Design von Möbeln.“ Ich denke, dass ein so langes Studium das Richtige für mich war, denn in dieser Zeit habe ich mich in diesem Beruf wirklich verwirklicht und war reif für eigenständiges Gestalten. Während meines Studiums begannen sich spürbare Neuerungen zu ergeben, neue Lehrer kamen, der Name änderte sich in „Möbeldesign“.
Ich habe bei Kirill und Elena Cheburashkin studiert – jung, energisch, offen für alles Neue und viel für die Entwicklung der Abteilung getan. Uns wurden sehr interessante Aufgaben gestellt und motiviert, etwas Neues zu finden und zu schaffen. Mein Lehrer war neben ihnen der sehr erfahrene Architekt Evgeniy Ivanovich Matvienko, der sehr wichtige Grundlagen vermittelte, da die Herstellung von Möbeln in vielerlei Hinsicht dem architektonischen Design ähnelt. Seine Beratungen waren sehr wertvoll und haben mich immer zum Analysieren und Nachdenken angeregt. Bildung war in Stroganovka schon immer von grundlegender Bedeutung, und das liegt mir am Herzen, da gute Designer immer kulturelle Codes tragen. Sie müssen lernen, Ihr Wissen in der Praxis anzuwenden. Ich habe viel alleine gemacht – ich habe nach ausländischen Ausbildungsprogrammen gesucht und gelernt, wie man Designforschung betreibt.
Ich habe kürzlich Stroganovka besucht und kann feststellen, dass die heutigen Studierenden noch mehr Möglichkeiten haben und der Weg von der Theorie in die Praxis noch kürzer geworden ist. Dank moderner Werkstattausrüstung, Reisen und Kommunikation mit praktizierenden Spezialisten kennen sie alle Feinheiten der Designproduktion – vom Skizzieren bis zur Arbeit an Maschinen. Die Abteilung arbeitet aktiv mit dem Land im Rahmen von Projekten zur Erneuerung des Erscheinungsbildes von Schulen und Kindergärten zusammen und gibt den Schülern die Möglichkeit, sich in der realen Arbeit auszudrücken.“
Freistehende Paneele entstehen aus einem neuen Akustikmaterial aus Fichtennadeln
Verbundmaterial aus Kiefernnadeln
Möbel aus Verbundmaterial
Kapsel-Mikroküche Lolo
Kapsel-Mikroküche Lolo
VODKA-Lampe
VODKA-Lampe
Ekaterina Vagurina
Themendesigner
Geboren 1988. Im Jahr 2012 schloss sie ihr Studium an der St. Petersburger Staatlichen Akademie für Kunst und Industrie ab. A. L. Stieglitz (ehemalige Mukhinsky-Schule), Abteilung für Möbeldesign.
Jahr 2013. Nayada Archchallenge, 1. Platz in der Kategorie „Working Place for Open Space“.
2015 Designdebüt, 1. Platz in der Kategorie Produktdesign
2015 Gewinner des Sobaka.ru-Preises in der Kategorie Produktdesign
2016 Geschenkpreis, 3. Platz
2017 Avangard+ Award, 1. Platz
„Von dem ersten Jahr an der Stieglitz-Akademie durften wir an der Produktion teilnehmen und konnten nicht nur Zeichnungen auf Papier zeichnen, sondern auch an der Umsetzung unserer Projekte in den Schreinereien unserer Abteilung mitwirken. Dadurch konnten wir die gesamte Technik des Prozesses beobachten, was eine wichtige praktische Erfahrung war. Doch heute ist die Technik längst weiter fortgeschritten und neben Holz gibt es mittlerweile eine Vielzahl weiterer Materialien, aus denen Möbel hergestellt werden können, und viele neue Techniken, um damit zu arbeiten. Und Schreinereien allein reichen nicht mehr aus. Leider gibt es keine Grundlage für die Umsetzung innovativer Lösungen und es ist für einen Studenten sehr schwierig, eine originelle Idee selbst auf der Ebene eines einzelnen Prototyps selbst umzusetzen. Leider beherrschen die meisten Lehrer ihr Fachgebiet eher in der Theorie. Sie schaffen es nicht immer, mit der Zeit zu gehen, und heute entwickelt sich alles sehr schnell. Meiner Meinung nach braucht die Abteilung aktive Fachkräfte, die einen Weitblick haben und in der Lage sind, die richtige Richtung vorzugeben. In diesem Sinne blickten wir mit Neid auf unsere Kollegen aus Stroganowka, wo sich die Situation heute dank der Begeisterung junger Lehrer deutlich verändert. Ich hatte Glück, als wir Betreuer für Diplomarbeiten zuordneten, kam ein interessanter junger Lehrer, Sergei Wassiljewitsch Gorlow, zu uns. Ich habe eine gewisse Beharrlichkeit bewiesen, mein Diplom unter seiner Aufsicht machen zu dürfen, was ich nie bereut habe. Mit großer Mühe gelang es uns, Ideen zu verteidigen, an die außer uns beiden niemand in der Abteilung glaubte. Infolgedessen erhielt das Projekt die höchste Bewertung.
Wir haben eine befreundete Möbelabteilung in der deutschen Stadt Halle, mit der wir Schüler und Lehrer ausgetauscht haben. Es war eine sehr wichtige Erfahrung, als mir der grundlegende Unterschied in der Herangehensweise an die Ausbildung hier und in Europa klar wurde. In unserem Land dominiert in der Regel der Lehrer, sodass in der endgültigen Fassung des Schülerprojekts kaum noch etwas von der Idee des Schülers übrig bleibt. Aus diesen Arbeiten geht oft hervor, wer sie betreut hat. Als ein Lehrer aus Deutschland zu uns kam, tat er von dem Moment an, als er Ihnen die erste Skizze zeigte, alles, um Ihre ursprüngliche Idee weiterzuentwickeln, nicht um sie zu ändern, sondern um Möglichkeiten für Ihre individuellen Lösungen aufzuzeigen.
Die Teilnahme an studentischen Wettbewerben und Ausstellungen halte ich für einen wichtigen Faktor während meines Studiums; das ist eine tolle Erfahrung und Motivation für die Weiterentwicklung. Informationen über sie sollten den Studierenden aktiv vermittelt werden; noch besser wäre es, wenn sie in den Lernprozess integriert würden, was in unserer pädagogischen Praxis praktisch nie vorkommt.“
Verwandelbarer Kleiderbügel 8H
Verwandelbarer Kleiderbügel 8H
Verwandelbarer Kleiderbügel 8H
Und Dobrostol
Dobrobox-Besteckset
Dobrobox-Besteckset
Pflanzer Fitokapsel
Pflanzer Fitokapsel
Pflanzer Fitokapsel
Set Krater-Vasen
Set Krater-Vasen
Set Krater-Vasen
Salz- und Pfefferstreuer Portwein
Salz- und Pfefferstreuer Portwein
Alisa Minkina
Themendesigner
Geboren 1993. Absolvent der British Higher School of Design mit einem Abschluss in Industriedesign.
Jahr 2013. Topiary World, 3. Platz
Jahr 2013. Dyson Awards, nationaler Gewinner
Jahr 2013. Ukrainische Best-Best-Liste
Jahr 2014. SEAT-Wettbewerb. 1. Platz, Praktikum bei SEAT Spanien
2015 Salone Satellite 2. Platz
2015 Salone Satellite, 3. Platz
2016 ArсhiWood, 1. Platz
2016 Ukrainischer Bester, 1. Platz
2017 A Design Awards, 1. Platz
„Das Wichtigste an Britka ist wahrscheinlich, dass die Studierenden fast immer an realen Projekten arbeiten und dadurch die Möglichkeit haben, zu lernen, wie sie direkt mit einem zukünftigen Arbeitgeber und dem Markt interagieren können. Die Lehrer hier sind praktizierende Designer, die die aktuelle Situation kennen, die Bedürfnisse des Kunden kennen und vor allem lehren, auf seine tatsächlichen Bedürfnisse einzugehen. Tutoren beraten und machen Vorschläge, aber in vielerlei Hinsicht suchen Sie selbstständig nach den Ressourcen, die Sie benötigen, insbesondere wenn es um Software oder die Arbeit mit Materialien geht. Wenn Sie sich für das Projekt begeistern, können Sie alles tun, es hängt alles von Ihnen ab. Egal, was der Lehrer sagt, Sie finden selbst alle detaillierten Informationen und stellen sich die endgültige Aufgabe, die gelöst werden muss. Gleichzeitig ist die Grundlage für die praktische Umsetzung Ihrer Ideen, die Britanka bietet, sehr wichtig – es gibt gut ausgestattete Werkstätten, in denen Sie selbst an Maschinen arbeiten und beliebige Experimente durchführen können. Diese direkte Verbindung zwischen Theorie und Praxis ist meiner Meinung nach der Hauptvorteil und das Hauptmerkmal der Ausbildung am BHSDC. Aber an vielen inländischen Universitäten schaffen Studenten gerne Treibhausbedingungen, die weit von der Realität entfernt sind. Ja, sie entwerfen, aber wenn sie in die Wildnis gehen, wissen sie nicht, was und wie genau sie tun sollen, nach welcher Art von Arbeit sie suchen sollen und haben auch wenig Ahnung von der Realität des gesamten Designprozesses. ”
Sagano-Bambusmöbel
Sagano-Bambusmöbel
Teedosierglas
Marina Novikova
Innenarchitekt, Gründer des Büros „Smart Interior Design“
Als Absolventin des Innenarchitekturprogramms der British Higher School of Design im Jahr 2013 absolvierte sie während ihres Studiums im Jahr 2012 ein Sommerpraktikum im Rahmen des Innenarchitekturkurses am Central Saint Martins in London.
„Ich hatte die Gelegenheit, in Russland und im Ausland zu studieren und die Herangehensweise an das Studium hier und in Europa zu vergleichen. Es ist anzumerken, dass es in London Central Saint Martins mehr Design als solches, Forschung und unabhängige Arbeit gab. Dort geschieht alles, wie man sagt, „auf Knopfdruck“ – mehr echte Arbeit und persönliche Beteiligung. In Russland ist Bildung viel grundlegender, es gibt viele Vorträge und formelle Berichterstattung, aber weniger Praxis. Tatsächlich ist dies, basierend auf unserer Realität, nicht einmal schlecht. Um nach dem Abschluss in unser wirtschaftliches Bild zu „passen“, muss man sich im Kontext bewegen, und in diesem Sinne ist der akademische Charakter unserer Ausbildung bis zu einem gewissen Grad gerechtfertigt. Ich habe kürzlich mit britischen Bewerbern gesprochen und mir deren Lehrplan angeschaut – im Vergleich zu dem, den ich hatte, war er deutlich verbessert und intensiver, ich habe sie sogar beneidet. Hatten wir nur einen Grundkurs, gibt es mittlerweile viele weitere Spezialthemen, interessante Module, auch solche, die sich der Präsentation und praktischen Umsetzung Ihrer Ideen widmen. Das Programm ist wichtig, aber viel hängt vom persönlichen Interesse der Studierenden ab, von ihrer Bereitschaft, tiefer zu graben und sich weiterzuentwickeln. Natürlich spielt auch die Persönlichkeit des Lehrers eine große Rolle bei der Motivation. Wir hatten eine wunderbare Lehrerin, die Schüler zu Praktika in ihrem eigenen Büro einlud und ihnen die Möglichkeit gab, den Beruf von innen zu sehen, die Nuancen zu verstehen und zu spüren. Nach Abschluss meines Studiums hatte ich Glück – ich wurde eingeladen, dort zu arbeiten.
Darüber hinaus wird in Britannia viel Wert auf die Teilnahme der Studierenden an verschiedenen Wettbewerben gelegt. Dies ist sowohl aus Sicht der kreativen Entwicklung als auch hinsichtlich der Perspektiven sehr wichtig, da die Veranstalter solcher Wettbewerbe häufig produzierende Unternehmen sind. Beispielsweise hat Britannia kürzlich im Rahmen ihres Lehrplans mit einer bekannten Boutique-Kette zusammengearbeitet. Das Ergebnis waren von Studienanfängern gestaltete Schaufenster. Jetzt sind sie auf den Straßen der Stadt umgesetzt zu sehen. Solche Kooperationen sind sehr wichtig, für eine solche Möglichkeit im Studium würde ich viel geben. Ich habe mein Abschlussprojekt für die Inneneinrichtung eines Cafés gemacht, während ich in einem der Designbüros gearbeitet habe: Ich habe einen Entwurf für ein reales Objekt entworfen und er wurde umgesetzt. Das ist eine unschätzbare Erfahrung und die beste Motivation für die eigene Weiterentwicklung.“
Elena Mincheva
Innenarchitekt
2007 schloss sie ihr Studium an der Staatlichen Technischen Universität Orjol mit einem Abschluss in Umweltdesign ab. 2013 zog sie nach Moskau und belegte mehrere Kurse an der Designschule „Details“. Gleichzeitig gründete sie zusammen mit ihrer Kollegin Alena Nagaeva ihr eigenes Innenarchitekturbüro LABuro.
„Der Innenarchitekturkurs im Detail ist eine Fundgrube an nützlichen Informationen von führenden Fachleuten, kombiniert mit praktischen Aufgaben. Zu diesem Zeitpunkt verfügte ich bereits über einen Hochschulabschluss und mehrjährige Erfahrung in diesem Beruf. Aber das Studium bei „Details“ ermöglichte mir den Übergang auf eine andere Ebene. Das Charisma der Dozenten ist die Essenz des Kurses, ohne deren Persönlichkeit und Temperament wäre er nicht möglich. Dies sind die Gründer der Schule, Tatyana Rogova, Andrei Sumatokhin, Maxim Shishigin, Tatyana Smirnova, Ilona Menshakova, Irina Markidonova, Svetlana Arefieva und viele andere. Bei den meisten Vorträgen handelt es sich um persönliche Erfahrungen und Kenntnisse und nicht nur um Theorie. Sie haben die Möglichkeit, die oft völlig unterschiedlichen Visionen und Arbeitsweisen verschiedener Menschen zu verstehen. Ihre Kommentare zu Studienarbeiten sind sehr wertvoll. Ich würde sagen, dass „Details“ eine eigene Atmosphäre hat, die von Menschen geschaffen wurde, das ist ihre Besonderheit. Du fühlst dich zu Hause und am Ende deines Studiums werden viele deiner Kommilitonen zu Freunden. Alena und ich zum Beispiel haben uns dort kennengelernt und eine Zusammenarbeit begonnen.
Bei Detaili belegte ich zunächst mehrere Innenarchitekturkurse und schloss dann den Studiengang Objektdesign ab, der dort letztes Jahr begann. Die Schule für Industriedesign steckt in Russland noch in den Kinderschuhen; lange glaubte man, dass es schneller und einfacher sei, einen Artikel auf Bestellung zu bringen, als ihn zu produzieren. Doch in den letzten Jahren hat sich die Situation verändert. Das Wichtigste, was uns fehlt, ist natürlich eine Produktionsbasis. Ich habe mehrere Mailänder Schulen besucht und nach deren Besonderheiten gefragt. Achtzig Prozent der Zeit sind die Arbeit an einem Projekt und die Beratung mit Mentoren, mit einem Minimum an Vorlesungen. Schließlich geht es beim Produktdesign um Kreativität und Innovation, nicht um Dekoration. Hier gilt es viel auszuprobieren, zu suchen, eigene Lösungen zu finden. Die Regeln gelten hier nicht. Mittlerweile haben wir in Stroganowka eine gute Produktionsbasis, aber im Vergleich zu westlichen Schulen ist sie natürlich viel schlechter.“
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